Morre Frank O. Gehry, lenda da arquitetura mundial,

 

Por Nicolai Ouroussoff

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rank O. Gehry, um dos talentos mais formidáveis ​​e originais da história da arquitetura americana, morreu na sexta-feira (5) em sua casa em Santa Monica, Califórnia. Ele tinha 96 anos.

Meaghan Lloyd, sua chefe de gabinete, confirmou a morte, após uma breve doença respiratória.

O maior sucesso popular de Gehry, e o edifício pelo qual ele será mais lembrado, é o Museu Guggenheim Bilbao. Situado no que havia sido uma cidade industrial decadente na costa norte da Espanha, este museu exuberante, revestido de titânio, foi uma sensação internacional quando inaugurado em 1997, ajudando a revitalizar a cidade e tornando Gehry o arquiteto americano mais reconhecido desde Frank Lloyd Wright. Sua aparência alegre — uma composição de formas brilhantes e prateadas que pareciam ter brotado do chão — parecia sinalizar a chegada de uma nova arquitetura, carregada de emoção.

The Guggenheim Bilbao, desenhado por Frank Gehry, na Espanha — Foto: Denis Doyle/New York Times

O Sr. Gehry, um dos primeiros arquitetos a compreender o potencial libertador do design assistido por computador, criou uma série de outros edifícios célebres — muitos deles amplamente considerados obras-primas — que, em sua bravura escultural e poder visceral, igualaram ou até mesmo superaram a arquitetura barroca do século XVII.

Entre elas, destacam-se o Walt Disney Concert Hall em Los Angeles, com seu interior aconchegante, concluído em 2003; o New World Center (2011), um espaço de concertos em Miami repleta de salas de ensaio cilíndricas; e a Fundação Louis Vuitton (2014), um museu em Paris tão etéreo que parecia feito de vidro soprado.

Walt Disney Concert Hall, em Los Angeles, é uma das mais famosas obras de Frank Gehry — Foto: Monica Almeida/The New York Times

Mas o Sr. Gehry, que ganhou o prestigiado Prêmio Pritzker de Arquitetura em 1989, já havia se consagrado muito antes disso. Ele irrompeu na consciência do mundo da arquitetura em 1978 com a conclusão de uma casa em Santa Monica, Califórnia, que projetou e na qual viveu por quatro décadas — um bangalô barato de madeira no estilo Cape Cod que ele desmantelou e revestiu com uma nova camada de madeira compensada, metal ondulado e tela metálica.

A colisão bruta, até mesmo violenta, de formas parecia capturar as divisões políticas e geracionais que vinham tensionando a sociedade americana, e a família americana em particular, desde a década de 1960, e estabeleceu o Sr. Gehry como uma força na arquitetura.

Nos anos seguintes, ele projetou várias outras casas cujas composições brutas evocavam estruturas em pleno processo de construção. Philip Johnson, o veterano da arquitetura, tentou descrever a sensação de estar dentro de uma dessas casas: "Não é beleza nem feiura", disse ele à revista The New York Times Magazine em 1982, "mas um tipo perturbador de satisfação que você não encontra nos espaços de mais ninguém."

“Eu estava me rebelando contra tudo”, disse Gehry em uma entrevista ao The Times em 2012, explicando sua antipatia pelos movimentos arquitetônicos dominantes da época, exemplificados pela Casa Farnsworth na pradaria de Illinois, um pavilhão modernista austero, plano, de aço e vidro, projetado por Mies van der Rohe.

“Eu não conseguiria morar em uma casa assim”, disse ele. “Eu teria que chegar em casa, lavar minhas roupas, pendurá-las direitinho. Eu achava aquilo esnobe e afetado. Simplesmente não parecia combinar com a minha vida.”

Mais tarde, o Sr. Gehry expandiu seu repertório com projetos cada vez mais esculturais. Entre eles, as formas contorcidas de estuque branco do Museu de Design Vitra (1989), em Weil am Rhein, Alemanha, e duas torres cilíndricas unidas em um abraço selvagem e balético em Praga — um edifício de 1996 chamado Casa Dançante, ou Ginger e Fred, em homenagem à dupla de dançarinos Ginger Rogers e Fred Astaire.

Para alguns, sua obra era mais escultura do que arquitetura. Outros a viam como emblemática de uma cultura global que reduzia a arquitetura a uma forma de marketing. O Sr. Gehry, cujo nome era reconhecido em todo o mundo, às vezes era ridicularizado como um "arquiteto-estrela". Mas a ferocidade emocional de sua obra podia ser revigorante, como se a arquitetura tivesse redescoberto uma parte de si mesma que se perdera após décadas de funcionalismo enfadonho e clichês pós-modernistas. E o foco generalizado nos exteriores deslumbrantes de seus edifícios podia desviar a atenção dos objetivos mais profundos de Gehry: criar uma arquitetura que não fosse apenas impactante, mas democrática em espírito e evocativa da complexidade da vida humana.

Ele nasceu Frank Owen Goldberg em 28 de fevereiro de 1929, em um bairro operário de Toronto, filho de Irving e Sadie (Caplan) Goldberg. Seu pai teve vários empregos, incluindo a administração de um mercado e a venda de máquinas de pinball e caça-níqueis. Frank e sua irmã, Doreen, moravam com os pais em uma casa de dois andares revestida de tijolos e telhas de papel alcatroado (um material que ele usaria em alguns de seus projetos).

Quando menino, trabalhou meio período na loja de ferragens de seu avô materno, repondo as prateleiras com ferramentas, parafusos e porcas, uma experiência que, segundo ele, despertou seu amor por materiais do cotidiano.

Uma vez por semana, sua avó materna voltava do mercado com uma carpa viva, outra experiência marcante que inspiraria as imagens de peixes que mais tarde apareceriam em sua obra. "Nós a colocávamos na banheira", lembrou Gehry, "e eu brincava com o peixe o dia todo até que ela o matasse e fizesse gefilte fish."

Mudança para os EUA

O mundo de Frank desmoronou abruptamente em meados da década de 1940, quando seu pai, um alcoólatra inveterado, sofreu um ataque cardíaco enquanto os dois discutiam no jardim da frente de casa, uma lembrança que, segundo o Sr. Gehry, o assombrou por décadas. Seu pai nunca se recuperou completamente. Depois que um médico o alertou de que ele não sobreviveria a outro inverno em Toronto, a família se mudou para Los Angeles, alugando um apartamento apertado de 50 dólares por mês em um bairro decadente a oeste do centro da cidade. A cultura, disse o Sr. Gehry, era como eles mantinham sua dignidade. Algumas noites, eles ouviam música clássica no rádio; em outras, sua irmã praticava violino.

Como arquiteto, Gehry teve um início tardio. Após um breve período no Exército, casou-se com Anita Snyder, que o ajudou a pagar seus estudos na Universidade do Sul da Califórnia, onde inicialmente estudou cerâmica. Ele mudou para a arquitetura depois que um professor o apresentou a Raphael Soriano, um pilar do Modernismo pós-guerra no sul da Califórnia. Foi também nessa época que ele adotou Gehry como sobrenome, uma escolha um tanto aleatória inspirada, segundo ele, pelo desejo de evitar o antissemitismo.

O Sr. Gehry passou vários anos trabalhando como designer de nível intermediário e gerente de projetos na Gruen Associates, uma empresa conhecida por seus shoppings centers. Depois de abrir seu próprio escritório em 1962, grande parte de seus primeiros trabalhos foi para incorporadoras tradicionais. Ele projetou uma sede extensa para a Rouse Company em Columbia, Maryland, e duas lojas de departamentos sem grande destaque para a Joseph Magnin na Califórnia.

Mas ele era um outsider por natureza e começou a buscar inspiração além do trabalho de outros arquitetos. Como muitos angelinos, ele se sentia atraído pela atmosfera descontraída e permissiva da cidade, cuja mistura de mansões extravagantes, bangalôs frágeis, terrenos baldios, cafeterias em estilo Googie e outdoors coloridos era a antítese do academicismo arquitetônico da Costa Leste. E ele se aproximou de uma geração de artistas de Los Angeles — Robert Irwin, Billy Al Bengston, Ed Moses, Larry Bell — cuja estética inspirada em pranchas de surfe e espaços de trabalho rústicos sugeriam uma alternativa à austeridade fria do modernismo tardio e às tendências reacionárias do pós-modernismo.

“Os artistas viviam em prédios industriais e armazéns”, disse Gehry em entrevista ao The Times em 2012. “Eles estavam constantemente mudando as coisas de lugar — alterando os cômodos, construindo mezaninos ou espaços de armazenamento. Era tudo tão livre e despretensioso. Eu queria fazer isso.”

Dois edifícios que ele projetou nessa época são exemplos de obras que se afastaram “de todas as regras da ‘vida civilizada’”, como escreveu o historiador da arquitetura Reyner Banham. Um deles foi o Estúdio Danziger, de 1965, um espaço de trabalho e moradia para um designer gráfico, que figura entre as melhores obras iniciais de Gehry, com uma fachada de estuque lisa que desaparece em um trecho da Avenida Melrose repleto de bares decadentes e outdoors gigantescos; o outro foi o estúdio rústico, com estrutura trapezoidal de madeira, que ele projetou no início da década de 1970 para o artista Ron Davis. Este incorporava o tipo de perspectiva distorcida com a qual Davis experimentava em suas pinturas.

No final da década de 1960, Gehry e sua esposa se divorciaram e, em 1975, ele se casou com Berta Aguilera. Ela sobreviveu a ele, assim como seus dois filhos, Sam, designer de arquitetura, e Alejandro, artista. Ele também deixou uma filha, Brina Gehry, de seu casamento anterior; e sua irmã, Doreen Gehry Nelson. Outra filha de seu primeiro casamento, Leslie Gehry Brenner, faleceu em 2008.s

O efeito Bilbao

Em 1991, Thomas Krens, então diretor da Fundação Solomon R. Guggenheim, firmou um acordo com o governo espanhol para abrir uma filial do Museu Guggenheim de Nova York em Bilbao. Ele convidou Gehry para projetá-la, e os dois escolheram um local ao longo do que era então uma área portuária decadente, ao lado de uma ponte de aço enferrujada.

Concluído seis anos depois, o Bilbao, como era conhecido pela maioria, era uma explosão de metal e luz emoldurada por cenas de ruína industrial. Uma grande escadaria descia em cascata de uma praça ao nível da rua para um átrio com vista para um calçadão à beira-mar. Galerias ramificavam-se do átrio em todas as direções, evocando uma versão desordenada do interior espiralado do Guggenheim de Frank Lloyd Wright em Nova York. A maior delas — um espaço cavernoso cujo teto era sustentado por treliças arqueadas — lembrava a barriga de uma baleia.

A grande escadaria invertida era outra forma de desmerecer a arte, atraindo os visitantes — incluindo a população majoritariamente operária da cidade — para o interior do edifício, em vez de desafiá-los a subir até suas alturas. As formas esculturais que se agrupavam ao redor do átrio sugeriam um clamor de vozes concorrentes que divergiam das galerias organizadas da maioria dos museus, e as curvas voluptuosas do edifício representavam um novo tipo de impulso expressivo.

Philip Johnson afirmou ter chorado ao vê-lo pela primeira vez. O crítico de arquitetura do The Times, Herbert Muschamp, comparou-o a Marilyn Monroe com a saia esvoaçando. Tanto a atriz quanto o edifício, escreveu ele na revista do The Times, representavam “um estilo americano de liberdade” que era “destemido, radiante e tão frágil quanto um recém-nascido”.

O edifício tornou-se uma atração imperdível para viajantes, atraindo 1,3 milhão de visitantes em seu primeiro ano, e revitalizou a ideia de que uma arquitetura impactante poderia ser tanto um atrativo popular quanto um motor econômico para cidades em dificuldades. Incorporadoras e líderes cívicos de todo o mundo seguiram o exemplo, investindo em novos e vistosos edifícios culturais em um esforço para reproduzir o que ficou conhecido como o “efeito Bilbao”.

Bilbao foi seguido, alguns anos depois, por outro triunfo de grande repercussão: a Sala de Concertos Walt Disney. Ao lado do Dorothy Chandler Pavilion, do Los Angeles Music Center, construído em 1964, e em frente a uma estrutura de estacionamento de vários andares com aparência precária, o exterior de aço da sala evocava enormes velas ondulantes. As superfícies côncavas e convexas do interior, no entanto, remetiam às formas arquitetônicas sensuais de artistas do século XVII, como Gian Lorenzo Bernini.

Para o Sr. Gehry, a conclusão do edifício tinha um significado pessoal: um emblema da ascensão cultural de Los Angeles, ele ficava a poucos quilômetros do apartamento onde ele morou com sua família na adolescência.

O sucesso, como era de se esperar, trouxe uma nova onda de críticas. A forma extravagante de Bilbao, segundo alguns críticos, ofuscava a arte que deveria abrigar. Para outros, os edifícios de Gehry desse período — e os projetos menores de outros arquitetos que eles inspiraram — representavam esforços cada vez mais descarados para inflacionar os preços dos imóveis.

Gehry certamente fazia parte dessa tendência, mesmo que não a tenha provocado conscientemente. Já uma celebridade mundial, ele aceitou encomendas de alto orçamento, muitas delas concebidas em grande escala. Em 2003, o incorporador Bruce Ratner anunciou que havia contratado Gehry para projetar um empreendimento de 8,9 hectares no Brooklyn, que incluía pelo menos 15 edifícios e o que viria a ser a arena Barclays Center. O projeto, chamado Atlantic Yards e posteriormente renomeado como Pacific Park, passou por diversas reformulações, principalmente para reduzir custos, e Gehry acabou perdendo o trabalho para um escritório menos experiente.

Alguns anos depois, ele e o Sr. Krens uniram-se novamente para criar uma imensa filial do Guggenheim em uma ilha deserta e árida nos arredores da cidade de Abu Dhabi, nos Emirados Árabes Unidos. Dez vezes maior que o edifício principal do Guggenheim em Nova York, a estrutura, que ainda está em construção após anos de atrasos, é organizada em torno de um átrio central com fileiras irregulares de galerias em forma de blocos, misturadas a grandes espaços cônicos que se abrem para jardins externos.

Muitos dos edifícios posteriores de Gehry continuaram a incorporar as qualidades que nortearam seu trabalho desde o início: a disposição para quebrar regras, o desejo de expandir o vocabulário formal da arquitetura e a consciência do contexto. Apesar da originalidade de sua fachada de aço ondulado, por exemplo, a torre residencial de 76 andares que ele projetou na Rua Spruce, número 8, no Baixo Manhattan, concluída em 2011, foi concebida como parte de um tríptico arquitetônico que incluía dois marcos arquitetônicos próximos: o Edifício Woolworth, de 1913, e o Edifício Municipal, de 1914.

O primeiro arranha-céu de Frank Gehry, com 76 andares, ergue-se na parte baixa de Manhattan, em 2016 — Foto: Robert Deitchler/The New York Times

Outros projetos desse período pareciam retornar às suas primeiras experiências.

Em 2010, Gehry apresentou um projeto para um memorial ao ex-presidente Dwight D. Eisenhower em Washington, que enfureceu os tradicionalistas da arquitetura. Inspirado nas origens de Eisenhower como um garoto de fazenda em Abilene, Kansas, o projeto apresentava uma fileira de seis colunas simples revestidas de calcário e uma tapeçaria de metal entrelaçado, com 24 metros de altura, que remetia ao uso inicial de cercas de arame por Gehry. Alguns membros da família Eisenhower consideraram o projeto indigno, e Gehry foi forçado a revisá-lo.

Ele substituiu uma imagem de terras agrícolas do Kansas por uma representação abstrata da Pointe du Hoc, na costa da Normandia, França — uma referência aos desembarques aliados da Segunda Guerra Mundial, supervisionados pelo General Eisenhower — e adicionou uma estátua de bronze dele comandando soldados. O projeto foi inaugurado em 17 de setembro de 2020.

Naquela época, o Sr. Gehry tinha 91 anos. Alguns anos antes, ele e Berta haviam se mudado da pequena casa que o tornara famoso para uma propriedade mais luxuosa com vista para o cânion de Santa Monica. Projetada com seu filho Sam, a nova casa era uma composição extensa e, por vezes, desajeitada, de pilares e vigas de madeira maciça angulares. Mesmo assim, ela conservava algumas das qualidades rústicas da arquitetura anterior do Sr. Gehry, e suas formas arrojadas refletiam uma busca constante por liberdade emocional e criativa.

Enquanto isso, o Sr. Gehry continuava trabalhando.

Em 2017, ele concluiu a Sala Pierre Boulez em Berlim, projetada em colaboração com o maestro Daniel Barenboim: um espaço compacto, em forma de caixa, com piso rebaixado e uma varanda elíptica suspensa, situado dentro de um austero edifício neoclássico da década de 1950. E em 2021, o edifício da Fundação Luma em Arles, no sul da França, foi finalizado; uma torre retorcida de tijolos de aço inoxidável, inspirada, em parte, pelo terreno rochoso da cordilheira Alpilles, nas proximidades.

Próximo de sua morte, Gehry estava concluindo diversos projetos para o magnata do luxo Bernard Arnault, incluindo uma loja conceito de 7.600 metros quadrados para a Louis Vuitton em Beverly Hills, Califórnia, e, em Paris, a conversão de um prédio abandonado da década de 1960 em um espaço para exposições e eventos, a poucos quarteirões da Fundação Louis Vuitton de Arnault, no Bois de Boulogne. Ele também estava dando os retoques finais em uma sala de concertos com 1.000 lugares para a Colburn School of Music, perto de sua Sala de Concertos Walt Disney em Los Angeles.

“Você entra na arquitetura para tornar o mundo um lugar melhor”, disse Gehry em 2012. “Um lugar melhor para viver, para trabalhar, enfim. Você não entra nisso por puro ego.”

Ele acrescentou: “Isso vem depois, com a imprensa e tudo mais. No começo, é tudo muito inocente.”

GLOBO