May 16, 2024

Alice Munro, Nobel Laureate and Master of the Short Story, Dies at 92

 

 Alice Munro, a white-haired woman wearing a brown top and brown pants, sits on a railroad track. Her hands are clasped over her right knee, and she is smiling.

 Her stories were widely considered to be without equal, a mixture of ordinary people and extraordinary themes.

 

 

Alice Munro, the revered Canadian author who started writing short stories because she did not think she had the time or the talent to master novels, then stubbornly dedicated her long career to churning out psychologically dense stories that dazzled the literary world and earned her the Nobel Prize in Literature, died on Monday night in Port Hope, Ontario, east of Toronto. She was 92.

A spokesman for her publisher, Penguin Random House Canada, confirmed the death, at a nursing home. Ms. Munro’s health had declined since at least 2009, when she said she’d had heart bypass surgery and had been treated for cancer, though she continued to write.

Ms. Munro was a member of the rare breed of writer, like Katherine Anne Porter and Raymond Carver, who made their reputations in the notoriously difficult literary arena of the short story, and did so with great success. Her tales — many of them focused on women at different stages of their lives coping with complex desires — were so eagerly received and gratefully read that she attracted a whole new generation of readers.

Ms. Munro’s stories were widely considered to be without equal, a mixture of ordinary people and extraordinary themes. She portrayed small-town folks, often in rural southwestern Ontario, facing situations that made the fantastic seem an everyday occurrence. Some of her characters were fleshed out so completely through generations and across continents that readers reached a level of intimacy with them that usually comes only with a full-length novel.

She achieved such compactness through exquisite craftsmanship and a degree of precision that did not waste words. Other writers declared some of her stories to be near-perfect — a heavy burden for a writer of modest personal character who had struggled to overcome a lack of self-confidence at the beginning of her career, when she left the protective embrace of her quiet hometown and ventured into the competitive literary scene.

Image
Ms. Munro, wearing a white top and half-smiling, sits on a porch in a rocking chair with a white wall behind her.
Alice Munro in an undated photo. Joyce Carol Oates said Munro’s stories “have the density — moral, emotional, sometimes historical — of other writers’ novels.”Credit...Derek Shapton

Her insecurity, however powerfully she felt it, was never noticed by her fellow writers, who celebrated her craftsmanship and freely lent her their highest praise.

The Irish novelist Edna O’Brien ranked Ms. Munro with William Faulkner and James Joyce as writers who had influenced her work. Joyce Carol Oates said Munro stories “have the density — moral, emotional, sometimes historical — of other writers’ novels.” And the novelist Richard Ford once made it clear that questioning Ms. Munro’s mastery over the short story would be akin to doubting the hardness of a diamond or the bouquet of a ripened peach.

“With Alice it’s like a shorthand,” Mr. Ford said. “You’ll just mention her, and everybody just kind of generally nods that she’s just sort of as good as it gets.”

In awarding her the Nobel in 2013, when she was 82, the Swedish Academy cited her 14 collections of stories and referred to her as “a master of the contemporary short story,” praising her ability to “accommodate the entire epic complexity of the novel in just a few short pages.”

As famous for the refined exuberance of her prose as for the modesty of her personal life, Ms. Munro declined to travel to Sweden to accept her Nobel, saying she was too frail. In place of the formal lecture that winners traditionally give, she taped a long interview in Victoria, British Columbia, where she had been visiting when her award was announced. When asked if the process of writing her stories had consumed her entirely, she responded that it did, then added, “But you know, I always got lunch for my children.”

During the presentation of the taped interview at the Swedish Academy, the Swedish actress Pernilla August read an excerpt from Ms. Munro’s story “Carried Away,” a multi-decade tale of dashed expectations that typified the complicated, often disappointing, world of her stories.

“She had a picture taken. She knew how she wanted it to be,” the excerpt read. “She would have liked to wear a simple white blouse, a peasant girl’s smock with the string open at the neck. She did not own a blouse of that description and in fact had only seen them in pictures. And she would have liked to let her hair down. Or if it had to be up, she would have liked it piled very loosely and bound with strings of pearls.

“Instead she wore her blue silk shirtwaist and bound her hair as usual. She thought the picture made her look rather pale, hollow-eyed. Her expression was sterner and more foreboding than she had intended. She sent it anyway.”

Ms. Munro’s early success in Canada, where her first collection of stories, “Dance of the Happy Shades” (1968), won the Governor General’s Literary Award, the equivalent of a Pulitzer Prize for fiction, spread to the United States after her stories began to be published in The New Yorker in 1977. She was an important member of a generation of Canadian writers, along with Margaret Atwood and Michael Ondaatje, whose celebrity reached far beyond the country’s borders.

Image
A yellow book cover with a black drawing of a row of houses, stores and a church, and the words “Dance of the Happy Shades and other stories Alice Munro,” in black letters.
Ms. Munro’s first collection of stories, published in 1968, won the Governor General’s Literary Award, the Canadian equivalent of a Pulitzer Prize for fiction.Credit...McGraw-Hill

Ms. Munro went on to win the Governor General’s award twice more, along with two Giller Prizes, another important national award in Canada, and many other honors. In 2009, she withdrew her collection “Too Much Happiness” from consideration for yet another Giller because she believed that a younger writer should have a chance to win it.

That same year she was awarded the Man Booker International Prize for her lifelong body of work, which the judges claimed was “practically perfect.” The awards committee commented that although she was known mostly as a short-story writer, “she brings as much depth, wisdom and precision to every story as most novelists bring to a lifetime of novels.”

“To read Alice Munro is to learn something every time that you never thought of before,” the judges said.

As her many-layered style developed, her short stories came to be neither short nor simply stories — she included 15 stories in her first book, but only eight or nine longer ones in some of her most recent collections. The greater length of each story gave her room to explore the psychological profiles of her characters more fully, and the resulting works are tightly woven tapestries of great tension, lasting resonance and stunning breadth that combine the emotional thrust of a novel with the pinpoint power of a masterful poem.

Image
Ms. Munro, wearing a striped white shirt and a headband, sits holding a book in front of her. Behind her is a sign saying “Fiction at its finest.”
Ms. Munro in 2009, the year she won the Man Booker International Prize.Credit...Julien Behal/PA, via Associated Press

Over the years, her stories seemed to grow darker and more paradoxical, even though she often described her own life as ordinary and generally upbeat. Often her characters were simple people confronting unusual circumstances. But those situations could be odd, even bizarre, such as an accident in which a soldier who returned from war is decapitated after his sleeve is caught in a factory machine, or the actions of an unattractive girl who steals so much money from her parents’ store to pay boys for sex that her parents are forced to declare bankruptcy. The women in her stories tended to be emotionally pierced — divorced women, adulteresses and noble victims of life’s vicissitudes.

Like Faulkner, Eudora Welty and the other Southern writers she admired, Ms. Munro was capable of breathing life into an entire world — for her, the importunate countryside of southwestern Ontario and the placid, occasionally threatening presence of Lake Huron.

Cynthia Ozick called her “our Chekhov,” and the description stuck.

 

Image
A book cover with the name ALICE MUNRO, in large red capital letters against a yellow background, at the top; the very small figure of a woman below it; and the words “TOO MUCH HAPPINESS,” in smaller brown capital letters below that.
In 2009, Ms. Munro withdrew her collection “Too Much Happiness” from consideration for a prize because she believed that a younger writer should have a chance to win it.Credit...Alfred A. Knopf, New York

In a 2009 review of “Too Much Happiness,” Michiko Kakutani of The New York Times described the collection’s title story as “a brilliant distillation of her Chekhovian art.”

Ms. Munro was able to live a life remarkable for its normalcy. Her days, like her characters’, were filled with quotidian routines punctuated by the explosive mystery of happenstance and accident.

Outside of a decade spent on the west coast of Canada during her first marriage, she lived with a great deal of satisfaction in the Ontario bramble she celebrated in her stories, quietly composing them in the house where her second husband was raised, not far from the place where she was born.

Perhaps the question that most dogged her throughout her long career was why, with her abundant talents and perceptive eye, she restricted herself to what is generally seen as the limited world of the short story rather than launch into the glittery universe of the novel.

“I don’t really understand a novel,” Ms. Munro confessed to Mervyn Rothstein of The Times in a 1986 interview. “I don’t understand where the excitement is supposed to come in a novel, and I do in a story. There’s a kind of tension that if I’m getting a story right I can feel right away.”

While one of her early collections, “Lives of Girls and Women,” is sometimes called a novel, Ms. Munro and her longtime editor at Alfred A. Knopf, Ann Close, considered it a collection of linked stories.

“Once I started to write that, I was off,” she told The Paris Review. “Then I made a big mistake. I tried to make it a regular novel, an ordinary sort of childhood adolescence novel. About March I saw it wasn’t working. It didn’t feel right to me, and I thought I would have to abandon it. I was very depressed. Then it came to me that what I had to do was pull it apart and put it in the story form. Then I could handle it.”

At times she swore she would never write a novel — almost dismissing the challenge as too great for her to even attempt. But at other times she seemed to wistfully wonder, as one of her characters might, how different her life might have been had she written a blockbuster novel.

“I’m thinking of something now, how it might be a novel, but I bet you it won’t be,” she said in a 1998 interview, just after publication of her widely acclaimed collection “The Love of a Good Woman.” She confessed that on occasion she had experimented with stretching her stories into novels but said she found that the stories “start to sag” when she did so, as though being taken beyond their natural limits. Still, the lure never completely evaporated. “My ambition is to write a novel before I die,” she said, also in 1998.

She never did.

Shortly before receiving her Nobel in 2013, Ms. Munro told several interviewers that she had decided to stop writing. As far back as 2009, she had disclosed her cancer diagnosis and that she’d undergone heart bypass surgery. Her declining health had robbed her of strength, but she also remarked that she’d been writing since she was 20 and had grown weary of what Del, a character in “Lives of Girls and Women” who is generally taken to be Ms. Munro’s proxy, says is a writer’s only duty, which is “to produce a masterpiece.”

“That’s a long time to be working,” Ms. Munro said, “and I thought maybe it’s time to take it easy.”

Alice Ann Laidlaw was born on July 10, 1931, in the village of Wingham, Ontario, hard by the banks of Lake Huron. She was the first of three children of Robert Eric Laidlaw and Anne Clarke (Chamney) Laidlaw. Her father had tried his luck at the rather exotic undertaking of raising silver foxes and mink, but when that failed he went through a number of professions, including stints as foundry watchman and turkey farmer.

When Anne Laidlaw developed Parkinson’s disease, it fell to Alice, not yet a teenager but the oldest of the three children, to care for her mother, an experience that she wove through her writing. She was able to attend college after winning a two-year scholarship to the University of Western Ontario in London, Ontario, about 65 miles south of Wingham.

She majored in English but initially kept her ambition to write fiction to herself. She dropped out before completing her studies and married a fellow student, James Munro. She sold her first short work of fiction, a story, to the radio service of the Canadian Broadcasting Corporation.

The Munros settled in Vancouver and had two children; a third died at birth. Ms. Munro said the domestic demands of those years — balancing parenthood with her dream of writing, “getting apple juice, answering the phone and letting the cat in” — left her no time or energy for ambitious projects like writing novels. Instead, she dedicated herself to mastering the short story, a form that she felt she could manage in between raising her children and taking care of her house.

In 1963, Ms. Munro and her husband moved to Victoria, where she helped him found a bookstore, Munro’s, and gave birth to another daughter. The marriage ended in 1973, and she moved back to Ontario.

Image
A black-and-white photo of a younger Ms. Munro, with dark hair. She wears a light-colored top and a necklace and is smiling.
Like William Faulkner, Eudora Welty and the other Southern writers she admired, Ms. Munro was capable of breathing life into an entire world — for her, the countryside of southwestern Ontario.Credit...Reg Innell/Toronto Star, via Getty Images

By then, her literary reputation in Canada was established. In 1968, her first book, “Dance of the Happy Shades,” a collection of short stories compiled over a dozen years, introduced readers to what would later be widely recognized as “Alice Munro Country” — the rigidly introspective landscape of solitary country roads and stolid houses of yellow brick within which shy lives and solemn secrets unfolded.

“Everybody knows what a house does, how it encloses space and makes connections between one enclosed space and another and presents what is outside in a new way,” she wrote in a 1982 essay. “That is the nearest I can come to explaining what a story is for me.”

Her stories are blanketed with countless small but sharp observations that animate Munro Country. For instance, in “Spaceships Have Landed,” a story in the collection “Open Secrets” (1994), the main character drunkenly flirts with her boyfriend’s friend, only to be grossly insulted by him. The next day, she calls him to the porch of her house and confronts him while using a piece of steel wool to clean freshly laid eggs.

Image
A book cover with the name ALICE MUNRO, in large black capital letters against a light gray background, above a painting of a seated man with a beard, a top hat and a cane, looking at a young woman who stands and looks at her reflection in a full-length mirror.
Ms. Munro’s collection “Open Secrets” was published in 1994.Credit...McClelland and Stewart

Such details evoke a sense of the semirural Canadian backcountry, a quiet land where people never deliberately call attention to themselves and the ordinariness of life can be suddenly disrupted by accidents, arrivals and unanticipated departures.

Although Ms. Munro was most often described as a Canadian writer, her stories evoked not Canada itself but the bittersweet triumphs, mishaps and humiliations of small town life. And in the end, every landscape served as backdrop for her central themes, which were the unpredictability of life and the betrayals that women suffer or commit — scenes redolent with autobiography.

In “The Albanian Virgin,” a celebrated story featuring a rare exotic setting as well as the familiar Canadian landscape, the female protagonist runs a bookstore in Victoria and dreamily contemplates the errant directions taken by her life: “But I was not despondent. I had made a desperate change in my life, and in spite of the regrets that I suffered every day, I was proud of that. I felt as if I had finally come out into the world in a new, true, skin.”

Ms. Munro shunned much of the publicity usually associated with literary success and limited her book tour appearances and readings. She often referred to herself in a self-deprecating way; she said she had not “come out of the closet” as a professional writer until she was 40, and she called herself a “plodder” because of the slow and deliberate way she worked, often writing in her nightclothes for several hours in the morning and then extensively revising her stories before sending them off.

But to critics, there was nothing plodding about her stories, which were put together so seamlessly that the many flashbacks, flash-forwards and shifts in time and place that she employed happened without notice. She often started her stories at a point where other authors might end theirs, and continued them well past the climax or denouement that would have satisfied others less driven by the twists of fate. Inevitably, this left readers to work out who exactly the narrator was and how one character was related to another.

Eventually, though, every piece would fit together. “It’s like a child’s puzzle,” the novelist Anne Tyler once said of Ms. Munro’s work. “In the most successful of the stories, the end result is a satisfying click as everything settles precisely into place.”

After the turbulence and dislocation she went through before Ms. Munro turned 40, her life and career clicked satisfyingly into place when she returned to southern Ontario. She started seeing Gerald Fremlin, a geographer, and after a brief romance married him and moved into the house in Clinton, Ontario, where he was raised.

She is survived by her daughters, Sheila, Jenny and Andrea. Sheila Munro is the author of the 2001 memoir “Lives of Mothers and Daughters: Growing Up With Alice Munro.”

She embarked on an ambitious schedule of publishing a collection of short stories every three or four years, winning praise and admiration across Canada, where she comes close to being a household literary saint. After receiving her first Governor General’s award, she won it twice more, for “Who Do You Think You Are?” in 1978 and for “The Progress of Love” in 1986.

Image
A photograph of a wall with photos, magazine articles and other ephemera on it.
Assorted art and publications in Ms. Munro’s home in Ontario.Credit...Ian Willms for The New York Times

In 1998, she received the Giller Prize for “The Love of a Good Woman,” and in 2004 she picked up another for “Runaway.” After the National Book Critics Circle agreed for the first time to consider authors from outside the United States for its award, Ms. Munro won in 1998 for “The Love of a Good Woman.”

As if she were a character in one of her stories, plagued by bad timing and unlucky happenstance, Ms. Munro was not at home when the Swedish Academy called to tell her that she had won; it had to leave a telephone message. She was in Victoria visiting her daughter, who heard the news and woke her mother at 4 a.m. Still groggy when interviewed by the CBC, Ms. Munro admitted that she’d forgotten that the prize was to be awarded that day, calling it “a splendid thing to happen,” adding, “more than I can say.”

Struggling to control her emotions, she reflected on her success and what it might mean for literature. “My stories have gotten around quite remarkably for short stories,” she told the interviewer. “I would really hope that this would make people see the short story as an important art, not something you play around with until you got a novel written.”

 THE NEW YORK TIMES

 

 

 

May 15, 2024

João Cândido é a face de heroísmo na história do povo negro

 

Tom Farias

Meu pai é do Brasil", me disse, há uns dois anos, Adalberto do Nascimento Cândido, filho de João Cândido, líder da revolta dos marinheiros, que já vai completando seus 114 anos.

Seu Candinho, como é conhecido, é a maior representação viva daquele que, através de sua luta e determinação, pôs fim a práticas de castigos corporais, situação trabalhista insalubre e pagamento de soldos vergonhosos à tripulação maruja na Marinha brasileira.

Aos olhos de hoje, e mesmo em novembro de 1910, era um feito de coragem encarar a Força Naval e o governo, na figura do marechal Hermes da Fonseca, então presidente da República.

João Cândido, marinheiro negro, botou abaixo mais de três séculos de abusos e violências contra militares de baixa patente, em sua maioria de negros, nos tanques de guerra do país.

Nunca quis revolta, como depôs nos inquéritos judiciais que precisou enfrentar e relatou no histórico "Depoimento para a Posteridade", prestado ao Museu da Imagem e do Som (MIS) na década de 1960.

Cândido recorreu a todos os meios possíveis para levar adiante a pauta de reivindicações dos seus companheiros, as quais jamais foram acolhidas e respeitadas pelo governo. Mesmo avesso às rebeliões, greves e revoltas, não teve outra alternativa após o colega de farda Marcelino Rodrigues de Menezes ter sido retalhado por 250 chibatadas, diante da marujada perfilada e reunida. Foi esse o estopim do grito de indignação retesado na garganta dos marinheiros fazia anos.

O marinheiro gaúcho João Cândido - Creative Commons

Passado mais de um século de sua luta, Cândido continua a ser perseguido pela Marinha e seus ditos oficiais. Não é cabível que isso ainda aconteça na contemporaneidade. Não é possível que uma única pessoa, como membro do oficialato, se insurja a ponto de enviar uma carta a congressistas, fazendo recomendações, a partir do seu ponto de vista e sua ideologia político-militar.

É preciso que se dê um basta para esse tipo de alegação.

O comandante Marcos Sampaio Olsen, atual almirante de esquadra, nascido em 1961, no Ceará, parece ter uns 200 anos de vida. E tem. O teor de sua carta à comissão da Câmara dos Deputados, além de ridículo e risível, é arraigado de parágrafos fraseados e termos rastaqueras do passado colonial –"opróbio", "abjetos", "deplorável".

Aliás, além de se expor à vergonha nacional, a Marinha brasileira teme ser tachada de racista. A palavra racismo na língua portuguesa dominante na caserna virou étimo de palavrão, de termo salutarmente não audível a determinados ouvidos privilegiados.

O Cândido dessa história, depois de liderar a revolta que parou o país, foi preso, torturado, banido da sua "amada Marinha", perseguido e discriminado, juntamente com sua família, até morrer, pobre e doente, em 1969, aos 89 anos.

Quanto a isso, nenhuma palavra da Marinha e de seus potentados quadros oficiais –que jamais o anistiaram de fato e direito.

Adalberto Cândido, 85, filho de João Cândido - Divulgação

Agora, a pergunta de milhões: o comandante Olsen está falando em nome de quem? Dele ou da Marinha? Qual é o seu lugar de fala em toda essa absurda narrativa?

A sociedade civil precisa entender.

Em ato que a história classificou de heroísmo —quando pôs em risco sua própria vida—, João Cândido liderou uma revolta que parou o Brasil e despertou a nação para uma secular situação na esquadra brasileira: os maus-tratos físicos, com fundo racista, resquício da escravidão e de afronta à lei nº 3.353, de 13 de maio de 1888.

E escreveram, em seu manifesto: "Nós, marinheiros, cidadãos e republicanos, não podemos mais suportar a escravidão na Marinha brasileira".

Por conta disso, durante seis longos dias, João Cândido e seus companheiros de infortúnio confrontaram o poder estabelecido e obrigaram parlamentares, ministros, almirantado, comandantes e capitães de navios a abolirem a hedionda prática da chibata e a melhorarem as condições de bem-estar e trabalho do conjunto de marinheiros.

Ganharam o salvo-conduto, votado pelo Senado — mas perderam emprego e dignidade. Cândido ainda perdeu sua autonomia e liberdade —foi vigiado até mesmo na hora mais sagrada, a do seu sepultamento.

Portanto, a inscrição do seu nome no Livro de Aço dos Heróis e Heroínas da Pátria configura-se como parte da justiça a que tem merecido direito —a família aguarda ainda a compensação financeira pelos anos de obscurantismo e humilhação.

Os brasileiros, os que defendem a democracia e prezam pela vida do outro, sabem que tudo isso é pouco, mas é necessário.

Nada vai eliminar da memória familiar dos Cândidos os anos de perda, sofrimento e de dor.

FOLHA 

 

 

May 13, 2024

Morre o ator Paulo César Pereio, ícone da rebeldia, aos 83 anos

 

 Paulo César Pereio no programa 'Sem frescura', do Canal Brasil

 

Conhecido por seu comportamento imprevisível e sua rebeldia incorrigível, o ator Paulo César Pereio morreu na tarde deste domingo (12), aos 83 anos, no Rio de Janeiro. Ele estava em tratamento de doença hepática avançada, em estado grave, e havia dado entrada de madrugada no Hospital Casa São Bernardo, na Barra da Tijuca.

Nascido em Alegrete, no Rio Grande do Sul, em 1940, Pereio despontou em um momento de efervescência do cinema brasileiro. Após destaque no teatro, onde interpretou de Beckett (“Esperando Godot”) a Maria Clara Machado (“Pluft, o fantasminha”), o gaúcho entrou no radar dos cineastas de vanguarda. Ainda que sua inspiração fosse clássica, com exemplo no ator americano Humphrey Bogart, símbolo da masculinidade dos anos 1940 e 1950, Pereio agradou em cheio os jovens diretores que buscavam reinventar a linguagem do cinema brasileiro.

Como Bogart, Pereio abusava de seu vozeirão e da forte presença em cena. E é assim que a sua figura marca o elogiado “Os fuzis”. Embora tenha saído brigado com o diretor Ruy Guerra (uma constante em sua carreira), iniciou durante as filmagens a sua longa amizade com Hugo Carvana, que também se tornaria uma figura marcante do Cinema Novo.

Quatro anos depois, com “O Bravo guerreiro” (1968), de Gustavo Dahl, Pereio aprofundou sua relação com o movimento artístico. Durante a pós-produção de “Os fuzis”, Pereio conheceu Glauber Rocha, que lhe convidaria para fazer uma pequena participação em “Terra em Transe” (1967). A ligação com o Cinema Novo continuaria ao longo dos anos 1970, sendo chamado por diretores como Joaquim Pedro de Andrade (“Os inconfidentes”), Cacá Diegues (“Chuvas de verão”) e Arnaldo Jabor (“Toda nudez será castigada” e “Eu te amo”).

Nos anos 1970, participaria ainda de um dos mais celebrados filmes experimentais da história, “Bang Bang” (1971), de Andrea Tonacci. O longa, que não chegou a ser programado no circuito comercial brasileiro, tem a sua cara: anárquico, inventivo, rebelde e provocador.

Além do cinema, Pereio brilhou no teatro entre 1956 e 2016, ainda que fazendo longos intervalos entre uma peça e outra nas últimas décadas. Atuou em espetáculos marcantes como “Roda viva” e colaborou com os maiores dramaturgos do país. Dirigiu a penúltima peça de Nelson Rodrigues (“O anti-Nelson Rodrigues”, de 1974) e compartilhou o espírito libertário e José Celso Martinez Corrêa em “As bacantes”, de 1996.Graças à sua voz excepcional, conseguiu driblar as suas crises financeiras com narrações e trabalhos para a publicidade.

Na televisão, fez ainda novelas e minisséries como “Gabriela”, “Roque Santeiro”, “A viagem”, “Presença de Anita” e “Carga pesada”, todas da TV GLOBO. Em 2004, passou a apresentar o programa “Sem frescura”, no Canal Brasil, em que recebia convidados para bate-papos descontráidos.

— O Pereio foi o ator que mais trabalhou nessa vida — diz o ator e amigo de longa data Stepan Nercessian. — Ele não descansava. Onde estivesse, estava o Teatro.

Nercessian é presidente do Retiro dos Artistas, onde Pereio residia desde 2020, após uma existência de excessos. Em entrevistas, Pereio contava que havia mudado seu estilo de vida no retiro. Solitário, dedicava seu tempo à leitura de Machado de Assis.

O ator foi casado três vezes e teve quatro filhos: Thomaz e João, com a atriz Cissa Guimarães; Lara Velho, com a atriz Neila Tavares; e Gabriel, com Suzana César de Andrade.

Dirigido por Tasso Dourado e Allan Sieber, o documentário “Pereio, eu te odeio” (2023) retrata com bom humor as excentricidades de Pereio e o carinho e a impaciência que provocava em seus próximos, incluindo a ex-mulher Cissa Guimarães e os amigos Hugo Carvana e Stepan. Nos depoimentos, todos relatam o quanto amavam odiá-lo.

— Só posso agradecer ao Pereio pelos nossos filhos. — diz Cissa Guimarães, que chegou a processar Pereio, em 1994, por atraso na pensão dos filhos. — Obrigada pela nossa família. Obrigada por tantos aprendizados, por tantos ensinamentos e emoções. Obrigada por me mostrar tantos rumos da vida, me mostrar o amor pelo nosso ofício e nos ensinar a fazer o nosso ofício. A cortina fecha aqui, mas abre no céu. E todos os aplausos serão sempre poucos para ele.

“Não quero que ela (Cissa) fique como vilã dessa história”, disse Pereio, na época. “Eu é que não me defendi quando devia. Não paguei porque não tinha dinheiro. Sofri um acidente e não podia trabalhar.”

Em outubro de 2023, Pereio saiu de sua reclusão do Retiro dos Artistas e compareceu para a sessão do documentário no Festival do Rio. Acompanhado de Cissa e dos filhos Thomaz e João, foi aplaudido pelo público.

— Nem sei o que dizer, estou tonto com a notícia... — lamentou Sieber. — Muito triste que essa pessoa tão genial, original, verdadeira e mestre do seu oficio se foi. Tive muita sorte de ter convivido com ele. Ele sempre foi muito generoso e carinhoso. O último de uma espécie.“Perdemos um ícone do nosso cinema”, escreveu a atriz Zezé Mota em seu Twitter. “Descansa meu amado Pereio. Quantos trabalhos icônicos e marcantes na TV, teatro e no cinema”

"Perdemos um ícone do nosso cinema", escreveu a atriz Zezé Mota em seu Twitter. "Descansa meu amado Pereio. Quantos trabalhos icônicos e marcantes na TV, teatro e no cinema" 

GLOBO

May 12, 2024

Roger Corman, 98, Dies; Prolific Master of Low-Budget Cinema

 

 A man in a blue sweater stands in front of a gray backdrop.

 

 He had hundreds of horror, science fiction and crime films to his credit. He also helped start the careers of Martin Scorsese, Francis Ford Coppola and many others.

 

Roger Corman, who for decades dominated the world of B movies as the producer or director of countless proudly low-budget horror, science fiction and crime films, died on Thursday at his home in Santa Monica, Calif. He was 98.

His death was confirmed in a statement by his family posted late Saturday on his official Instagram page.

Mr. Corman produced more than 300 films and directed roughly 50 of them, including cult classics like “A Bucket of Blood” (1959), “The Masque of the Red Death” (1964), “The Wild Angels” (1966) and the original “The Little Shop of Horrors” (1960), which he shot for $35,000 in two days on a set left over from somebody else’s movie.

Image
A man in a dentist’s chair looks warily at the dentist, who is wearing a jaunty cap and scarf.
A scene from Mr. Corman’s 1960 version of “The Little Shop of Horrors” with Jack Nicholson, left, and Jonathan Haze.Credit...Mary Evans/Ronald Grant, via Everett Collection

When he got tired of directing, he opened the door to Hollywood for talented young protégés like Francis Ford Coppola (“Dementia 13”), Martin Scorsese (“Boxcar Bertha”), Jonathan Demme (“Caged Heat”), Peter Bogdanovich (“Targets”) and Ron Howard (“Grand Theft Auto”).

Mr. Corman “was able to nurture other talent in a way that was never envious or difficult but always generous,” Mr. Scorsese said of him. “He once said: ‘Martin, what you have to get is a very good first reel, because people want to know what’s going on. Then you need a very good last reel, because people want to hear how it all turns out. Everything else doesn’t really matter.’ Probably the best sense I have ever heard about the movies.”

Among the others Mr. Corman nurtured was Jack Nicholson, who was 21 when Mr. Corman gave him his first movie role, the lead in “The Cry Baby Killer” (1958), and 23 when he had a small part as a masochistic dental patient in “The Little Shop of Horrors.” Before he went on to stardom, Mr. Nicholson acted in eight Corman movies and wrote three of them, including “The Trip,” an uncautionary tale about LSD.

Image
A man in a white suit and a woman in a gold swimsuit sit on a rock.
Salli Sachse and Peter Fonda on the set of “The Trip.” The 1967 film was written by Jack Nicholson and also featured Dennis Hopper and Susan Strasberg.Credit...Associated Press

Bruce Dern and Peter Fonda were also part of the Corman repertory company, working together in “The Trip” and “The Wild Angels.” An unknown Robert De Niro played Shelley Winters’s heroin-addicted son in “Bloody Mama” (1970). The first script by Robert Towne, who later went on to write the Oscar-winning screenplay for “Chinatown,” was Mr. Corman’s nuclear-catastrophe love triangle, “The Last Woman on Earth” (1960). In order to earn his fee, Mr. Towne was also required to play the movie’s second lead, a handsome young man who is killed by the Last Woman’s jealous husband.

In addition to being remembered for the opportunities he gave young filmmakers, Mr. Corman was renowned for his ability to make movies with almost no money and even less time. In 1967, for example, Boris Karloff owed Mr. Corman two days’ work. According to Mr. Bogdanovich, “Roger said: ‘I want you to take 20 minutes of Karloff footage from “The Terror,” then I want you to shoot 20 more minutes with Boris, and then I want you to shoot another 40 minutes with some other actors over 10 days. I can take the 20 and the 20 and the 40, and I’ve got a whole new 80-minute Karloff film.’”

The result was the critically praised “Targets,” in which Mr. Karloff played an aging horror film star who confronts a deranged Vietnam veteran on a murderous rampage at a drive-in theater where one of his movies is playing.

From 1954 to 1970, Mr. Corman produced or directed dozens of movies for American International Pictures, most of them on a handshake deal with the fabled B-movie impresario Samuel Z. Arkoff. Budgets started at $29,000. “The Wild Angels,” considered a big movie, cost $360,000.

In 1970 Mr. Corman formed his own production and distribution company, New World Pictures. What he did next surprised Hollywood: He became the American distributor of Ingmar Bergman’s “Cries and Whispers.” The film earned Bergman nominations for Academy Awards in 1974 as writer and director; its cinematographer, Sven Nykvist, won an Oscar.

In his autobiography, “How I Made a Hundred Movies in Hollywood and Never Lost a Dime” (1990, with Jim Jerome), Mr. Corman explained that he did not want his new company “to be identified, even stigmatized, by exploitation filmmaking.” So he booked Bergman into drive-ins, and New World went on to distribute films by Akira Kurosawa, François Truffaut and Federico Fellini.

Image
A book cover with black-and-white photos and a purple background.
In his 1990 memoir, Mr. Corman wrote that he did not want his company, New World Pictures, “to be identified, even stigmatized, by exploitation filmmaking.”Credit...Da Capo Press

“Cries and Whispers” made a profit of more than $1 million in American theaters. Nonetheless, the name Roger Corman forever remained, in the words of the film critic David Thomson, “a synonym for blithe exploitation.”

Roger William Corman was born on April 5, 1926, in Detroit. The son of an engineer, he assumed that he would be an engineer, too.

Even during the Depression, his parents, William and Anne (High) Corman, and their two sons — Roger was 18 months older than his brother, Gene — lived comfortably. But his father had to take a major cut in pay, and to Roger it was obvious that the wolf was lurking around the next corner.

“I have always assumed that somehow shaped my attitude toward money,” Mr. Corman reflected in his autobiography.

Driven west by the harsh Michigan winters, the family moved to Southern California. After excelling at Beverly Hills High School, Roger spent a year as an engineering student at Stanford University in the middle of World War II, then spent his sophomore and junior years at the University of Colorado as a cadet in a Navy program.

He returned to Stanford when the war ended, graduating in 1947 with a degree in industrial engineering. But after working for just four days as an electrical engineer, he quit engineering forever.

He was hired as a messenger at 20th Century Fox for $32.50 a week and eventually rose to story reader. But, he wrote in his memoir, “I knew I was going to be a writer, producer or director of motion pictures, and I needed more background in the arts of the 20th century.” He enrolled at the University of Oxford on the G.I. Bill to study the work of T.S. Eliot and D.H. Lawrence.

After six months at Oxford and six months in Paris, he came home and sold a chase-across-the-desert script to Allied Artists for $3,500. He was so unhappy with the finished film, “Highway Dragnet,” directed by Nathan Juran, that he decided to become his own producer.

With the $3,500, a borrowed one-man submarine and $6,500 raised from a dozen friends, he was almost ready to film “Monster From the Ocean Floor,” a movie about a man-eating mutant spawned by atomic testing. But he needed another $2,000 and a director. He got both by offering the directing job to a young actor, Wyott Ordung, if Mr. Ordung, who also appeared in the film, would put up the last $2,000.

On his first few movies, Mr. Corman produced, thought up the story, drove the equipment truck and filled in as a stunt driver. Knowing nothing about directing but needing another outlet for his energy, he became his own director in 1955 with “Five Guns West.” For the next 15 years, he directed almost all the films he produced.

He earned his first taste of respectability and the favor of European critics with a series of horror films based on Edgar Allan Poe stories, most of them starring Vincent Price. The series began with “House of Usher” in 1960, with a script by the science-fiction writer Richard Matheson, and culminated in 1964 with “The Masque of the Red Death,” photographed by Nicolas Roeg, and “The Tomb of Ligeia.”

Image
A man leans out of a car window holding a gun with two hands.
Mr. Corman on the set of his 1970 film, “Bloody Mama.”Credit...Anchor Bay Films

Mr. Corman liked to call himself an outlaw filmmaker, and many of his movies celebrated outlaws: Peter Fonda as the head of a nihilistic motorcycle gang in “The Wild Angels,” with real Hells Angels riding their choppers alongside the actors; and Shelley Winters as the incestuous head of a murderous family in “Bloody Mama.”

In preparation for “The Trip” (1967), he spent seven hours hugging the ground beneath a redwood tree in Big Sur while tripping on LSD for, he said, the first and only time.

“The Wild Angels,” “Bloody Mama” and “The Trip” were all denounced by critics, and they all made money. One of Mr. Corman’s few commercial failures was his most deeply felt film, “The Intruder” (1962), the story of a rabble-rousing white supremacist. Mr. Corman gave the role of the Northern bigot who spreads hatred in a Southern town to a young stage actor, William Shatner. When no studio agreed to be his partner, Mr. Corman, a self-proclaimed lifelong liberal, provided most of the $80,000 budget and distributed “The Intruder” himself.

By 1970, Mr. Corman was burned out by directing and by his peripatetic bachelor life. That summer he completed the last movie he would direct for 20 years, “Von Richthofen and Brown,” about the World War I German flying ace known as the Red Baron and the Allied pilot who shot him down. (His next directorial effort, the 1990 science fiction-horror hybrid “Frankenstein Unbound,” was also his last.)

Image
In a black-and-white image, a man points with his left hand as another man looks on.
Mr. Corman filming the 1990 science fiction-horror hybrid “Frankenstein Unbound” with John Hurt, left. It was the last film Mr. Corman directed.Credit...The Mount Company, via IMDb

On Dec. 26, 1970, at the age of 44, Mr. Corman married Julie Halloran, a former Los Angeles Times researcher whom he had been dating off and on for six years. With his wife and his brother as co-producers, he formed New World Pictures.

At New World, he was responsible for “The Student Nurses,” “Private Duty Nurses” and “I Never Promised You a Rose Garden,” an intelligent and disturbing adaptation of Hannah Green’s semi-autobiographical novel about a teenage girl with schizophrenia, which received an Academy Award nomination for its screenplay, by Gavin Lambert and Lewis John Carlino.

He sold New World in 1983, keeping the valuable film library, and promptly created a new production and distribution company, Concorde-New Horizons. In 1997 he sold Concorde-New Horizons and its library for $100 million.

He is survived by his wife, Julie, and his daughters. Catherine and Mary, according to the statement from his family.

Mr. Corman remained active into the 21st century. He produced for Netflix “Splatter” (2009), a three-part online horror series with a difference: Audience votes determined which characters would be killed. He produced intentionally cheesy monster movies like “Sharktopus” (2010), “Piranhaconda” (2012) and “CobraGator” (2016) for the Syfy channel.

He received an honorary Oscar in 2009, and in 2011 he was the subject of a well-received documentary feature, “Corman’s World: Exploits of a Hollywood Rebel,” directed by Alex Stapleton.

Interviewed by The Hollywood Reporter in 2013, Mr. Corman was philosophical about his life’s work. “Motion pictures have always been part art and part business,” he said. “If I have a burning vision, it’s to keep on working.”

THE NEW YORK TIMES

May 11, 2024

Começou com música: Os 50 anos da Revolução dos Cravos em Portugal

 

Começou com música

 Simone Duarte, de Lisboa

 Na noite de 24 de abril de 1974, o jornalista João Paulo Diniz pediu um dos discos dos Beatles na discoteca da rádio e outra meia dúzia de álbuns que faziam sucesso na década de 1970, “para não dar nas vistas”. Quando entrou no estúdio para transmitir o programa Quatro Tempos, que normalmente ia ao ar das dez da noite às duas da manhã, todos os domingos, segundas, quartas e sextas, sabia da missão histórica que lhe cabia. Era uma quarta-feira. Pela manhã, Diniz tinha ido ao cemitério para visitar o túmulo do pai. Precisava conversar com ele, que, muito antes do nascimento do filho, estivera na prisão por se opor à interminável ditadura de António de Oliveira Salazar. Mais tarde, jantou com a mãe e contou o que ia acontecer. Ela ficou apreensiva: “Mas filho, o pai sofreu tanto… e se não correr bem?” À noite, já no estúdio da Rádio Peninsular dos Emissores Associados de Lisboa, preparou-se para colocar no ar a canção E depois do adeus, anunciando assim a primeira senha secreta que daria início à derrubada de quase cinquenta anos de regime ditatorial. Estava consciente de que não podia “defraudar a confiança” que haviam depositado nele. Aos 25 anos, tinha uma certeza: se tudo desse certo, o pai ficaria orgulhoso.

Dois dias antes, Diniz estava na rá- dio quando o chamaram à recepção. Um homem queria falar com ele. – Não se lembra de mim? – pergun- tou o estranho. – Não, da Guiné? – retrucou Diniz. Como a maioria dos jovens da épo- ca, o jornalista tinha estado “na tropa”, o que significava ter ido à guerra em uma das colônias portuguesas na África onde os movimentos de independência eram mais fortes: Angola, Moçambique e Guiné-Bissau.

Não – respondeu o homem, dizen-
do que tinha trazido uns discos de Is-
rael e perguntando se Diniz poderia
acompanhá-lo até o carro. – São novi-
dades, grandes sucessos, lembrei-me de
trazer para tu passares aí na rádio, vem
comigo até o carro.
O primeiro instinto de Diniz foi achar
que o desconhecido era da Pide (Polícia
Internacional e de Defesa do Estado), a
polícia política que dirigia a censura, per-
seguia, prendia, interrogava, torturava e
matava qualquer um que fosse visto como
inimigo da ditadura de Salazar, instaura-
da em 1933. Ali, começava o período do
Estado Novo. Em 1968, por motivos de
saúde, Salazar foi substituído por Mar-
cello Caetano e morreu dois anos depois.
Havia quatro anos, portanto, que a dita-
dura vinha sobrevivendo ao ditador.
Naquele abril de 1974, Portugal era um
país pobre, antidemocrático, conservador
e colonialista, isolado do resto do mundo.
O regime autoritário lutava contra os mo-
vimentos de independência nas suas colô-
nias africanas. Em treze anos, a Guerra
Colonial levou 90% dos jovens portugue-
ses, cerca de 800 mil, para os campos de
batalha, agravou a crise econômica do
país, considerando que nada menos que
37% do orçamento público eram destina-
dos ao conflito, e traumatizou a sociedade.
“Eu entrei no carro”, conta Diniz,

 
hoje aos 75 anos, sentado em uma das
mesas do simbólico café A Brasileira, no
bairro do Chiado, em Lisboa. Estava des-
confiado com o convite. “Era um Mini,
lembro que fiquei com o pé direito de fora,
não me sentei, não fechei a porta, porque
aquilo não me soou bem. Aí ele me disse:
‘Sou oficial da Força Aérea.’ Apresentou-
se: ‘Está aqui o meu cartão.’ Estava escrito
Costa Martins. ‘Precisamos de ti porque
vamos dar um golpe de Estado para derru-
bar o regime.’ Eu não acreditei, pedi para
não me chatear, disse que naturalmente

era coisa séria e que eu tinha mais o que
fazer, mas aí ele me interrompeu e pergun-
tou: ‘E se fosse o Otelo a falar contigo?’”
Otelo Saraiva de Carvalho tinha sido o
comandante de João Paulo Diniz na Gui-
né-Bissau. Diniz não quis se comprome-
ter. “O Otelo quer me ver? Não estou com
ele desde que voltei da Guiné, quero lhe
dar um abraço. Mas estou com imenso
trabalho, que tal no mês que vem?” Costa
Martins, o mensageiro do homem que
coordenava as operações do golpe que der-
rubaria a ditadura, insistiu que tinha de
ser naquele dia. Não podiam esperar.
Combinaram então de se encontrar no
Apolo 70, o primeiro centro comercial de
Portugal, entre nove e dez da noite.
Quando Diniz chegou, os três foram
para uma cafeteria. Otelo Saraiva de Car-
valho, um dos líderes mais importantes do
25 de Abril, disse que precisava dele para
transmitir na rádio a primeira senha da
noite que desencadearia as manobras mi-
litares. Queria que ele tocasse no progra-
ma de rádio a canção de Zeca Afonso,
Grândola, vila morena. Serviria como um
sinal para, segundo as palavras que Diniz
ouviu de Otelo, “as tropas avançarem, para
instalar uma democracia e acabar com a
Guerra Colonial, com aquela bagunça”.
O jornalista aceitou a missão, mas argu-
mentou que precisavam escolher outra
música. O cantor Zeca Afonso já havia
sido preso, tinha muitas canções censura-
das, iria chamar a atenção dos censores da
Pide. Diniz não tinha dúvida de que deve-
ria ser uma canção que não despertasse
suspeita. Sugeriu E depois do adeus, canta-
da por Paulo de Carvalho que representara
Portugal no Festival Eurovisão da Canção.
Combinou-se ali a frase que Diniz falaria
e o horário exato da transmissão: 23h55 do
dia 24 de abril. Quando se despediram, o
jornalista perguntou ao ex-comandante
o que aconteceria se algo não corresse bem.
– Vai correr bem – respondeu Otelo.
– Mas e se não correr? – insistiu Diniz.
– Se falhar qualquer coisa, tu, que és
civil, vais ser preso em Caxias, e nós,
que somos militares, vamos para o pre-
sídio militar da Trafaria.
À tarde do dia 24 de abril, Diniz re-
cebeu o aviso de que haveria uma mu-
dança de horário. Em vez de 23h55, a
transmissão teria de ser feita uma hora
antes, às 22h55. A frase que antecedia a
canção era essencial para desencadear
a operação na capital e arredores, já que
o alcance das estações de rádio de Lis-
boa não era nacional. Quando entrou
no estúdio, o jornalista pensou: “O.k.,
hoje é o dia. Não dá para falhar.” Mas
às 22h48, uma falha técnica suspendeu
a transmissão. Durou 3 minutos ape-
nas, mas pareceu uma eternidade para
os militares que esperavam o primeiro
sinal para entrar em ação. Diniz só sen-
tia o peso da responsabilidade e sonhava
com o fim da Guerra Colonial quando
pensou... “Vamos embora”:
Faltam 5 minutos para as 23 horas.
Paulo de Carvalho com o Eurofestival
74, E depois do adeus:
Quis saber quem sou
O que faço aqui
Quem me abandonou
De quem me esqueci
Perguntei por mim
Quis saber de nós
Mas o mar
não me traz
tua voz
Em silêncio amor,
Em tristeza enfim
Eu te sinto em flor,
Eu te sofro em mim
Eu te lembro assim
Partir é morrer
Como amar é ganhar e perder


A locução de Diniz durou exatos 8 se-
gundos. A música levou mais 3 minutos
e 19 segundos. E assim começou a su-
blevação dos militares nos quartéis da
capital. Otelo Saraiva de Carvalho co-
mandava tudo do Quartel da Pontinha,
em Lisboa. A revolução dos chamados
capitães de abril já estava no ar. Entrara
em curso a Revolução dos Cravos, que
logo obteria a rendição de Marcello Cae-
tano, sucessor de Salazar, acabando com
48 anos de ditadura em Portugal, a
mais longa do século xx na Europa.
A menos de 2 km dos estúdios da rá-
dio, o então jornalista, cantor e militante
político José Jorge Letria assistia no cine-
ma a Nosso amor de ontem, de Sydney
Pollack, com Robert Redford e Barbra
Streisand. Levara a mulher e um casal de
amigos para jantar antes de ver o filme
sobre a história de amor em pleno perío-
do de caça às bruxas aos comunistas nos
Estados Unidos. Aos 23 anos, e com um
filho de menos de 6 meses em casa, Le-
tria era um dos poucos civis portugueses,
menos de vinte, que sabiam da operação
militar para derrubar o regime. Não tinha
ideia se a revolução seria vitoriosa. Não
sabia se era a última sessão de cinema de
suas vidas, se era uma despedida. O filme
terminou antes da meia-noite, e ele e o
amigo deixaram as mulheres em casa em
segurança. Precisavam estar sozinhos
para sintonizar na Rádio Renascença e
esperar que o relógio marcasse meia-noite
e vinte. Assim foi. O amigo, que dirigia
um Citroën gs, parou em frente ao Hotel
Roma. Os dois, ansiosos, esperaram para
ouvir a contrassenha da noite. Dessa vez,
era mesmo Grândola, vila morena, a can-
ção de Zeca Afonso, que confirmaria que
o golpe estava em curso.
A música era a quinta faixa do álbum
Cantigas do maio, de Zeca Afonso, grava-
do em 1971. O disco estava trancado 

um armário da Rádio Renascença, já com
os cortes da censura. Os agentes da Pide
costumavam usar pregos para arranhar as
faixas censuradas ou os discos inteiros.
José Jorge Letria emprestou o seu álbum.
Outra vez, uma falha aconteceu. À meia-
noite e cinco minutos da madrugada de
25 de abril de 1974, 15 minutos antes da
hora da senha, um corte de energia inter-
rompeu a emissão da Rádio Renascença.
Cinco minutos depois, a transmissão foi
normalizada. À meia-noite e vinte minu-
tos, durante o programa Limite, a senha
definitiva foi lida pelo locutor moçam-
bicano Teodomiro Leite de Vasconcelos.
O combinado era que ele falasse a primei-
ra estrofe de Grândola antes do início da
música. Era o sinal verde de que as unida-
des estavam preparadas e os militares re-
voltosos podiam sair dos quartéis em todo
o país. Leite de Vasconcelos leu:
Grândola, vila morena,
Terra da fraternidade,
O povo é quem mais ordena,
Dentro de ti,
Ó cidade.

 
José Jorge Letria soube da Operação
Fim-Regime duas semanas antes, mas só
foi informado da data exata do golpe pou-
cos dias antes de 25 de abril. “Uma das
razões para a escolha desse dia é que ha-
via um grande contingente de tropas em
Lisboa que estavam sendo mobilizadas
para a Guerra Colonial na África.” Além
disso, havia a questão da claridade. “Não
poderia haver um levante na Lua cheia,
tinha de ser uma noite de Lua minguan-
te”, conta Letria, que não consegue con-
ter a voz rouca nem os suspiros ao lembrar
aquele 25 de abril. “Eram três da manhã
e nós ficamos dando voltas em frente ao
Batalhão de Caçadores 5 até que os solda-
dos começaram a sair, centenas deles,
com as caras todas pintadas, prontos para
o combate. Foi a maior emoção da min

ida.” Letria lembra também de ter visto
uma cena insólita, quase de cinema. “Do
nada, apareceu um tipo embriagado de
smoking dentro de um Alfa Romeo; saiu
com a gravata na mão, indignado de ver
manobras militares de madrugada em
Lisboa e dizia algo do tipo: ‘uma pessoa
sai de uma festa e está sujeita a isto.’”
Nunca lhe devolveram o álbum com
a gravação de Grândola, vila morena.
Letria não se importa: quem afinal iria
exigir de volta o álbum da música que
viraria o hino da revolução?

 
“Eu não tenho cartão de visita,
mas se tivesse, escreveria as-
sim: um dos quatro que grava-
ram a Grândola”, sorri o ex-padre
Francisco Fanhais. Aos 82 anos, Fanhais
é um homem alto, magro, com um olhar
doce, que se emociona e chora toda vez
que fala em Zeca Afonso. Ele lembra o
dia, ainda no seminário, quando um pa-
dre lhe deu o disco do músico e disse
quase sussurrando: “Ouves baixinho.”
Quando ouviu a voz, o poema, a música
de Menino do bairro negro e Os vampi-
ros, pensou: “É isso que faz sentido.”
Cinco anos depois, em 1968, o padre
Fanhais, que cantava cantigas ao violão,
conheceu Zeca Afonso, um encontro,
diz ele sem hesitar, que mudou a sua
vida. Logo descobriram que o pai de
Zeca tinha sido tratado pelo pai de Fran-
cisco, que era médico. Tornaram-se
amigos. Zeca o convenceu a participar
do programa de tevê campeão de audiên-
cia na época: o Zip-Zip. O sucesso do
primeiro talk show da televisão portugue-
sa era tanto que a companhia de água e
esgotos registrava um pico do consumo
nos intervalos quando os telespectado-
res corriam para ir ao banheiro.

 
Em 1971, o padre Fanhais mudou-se
para a França. A Igreja o proibira de can-
tar em Portugal por causa dos sermões
que fazia contra a Guerra Colonial. Jun-
tou-se ao amigo Zeca na gravação do
álbum Cantigas do maio, no Château
d’Hérouville, nos arredores de Paris. A ca-
pital francesa, nas décadas de 1960 e 1970,
transformara-se no refúgio dos jovens por-
tugueses que escapavam clandestinamen-
te para não lutar na Guerra Colonial. Era
também onde os músicos, que compu-
nham e cantavam canções contra a dita-
dura, gravavam seus discos. Zeca Afonso,
Sérgio Godinho e José Mário Branco
eram contratados da gravadora portu-
guesa Sassetti. As gravações dos discos
aconteciam no castelo, que tinha uma
qualidade técnica inexistente em Portu-
gal. Durante a década de 1970, o Château
d’Hérouville se tornaria o estúdio predile-
to de astros do rock e do pop como David
Bowie, Elton John e Pink Floyd.

 
Durante quinze dias seguidos, entre
outubro e novembro de 1971, Fanhais,
Zeca, José Mário Branco e o músico que
acompanhava no violão, Carlos Correia,
apelidado de Bóris, gravaram o álbum.
José Mário Branco era o responsável pelos
arranjos e pela direção musical. Para
Grândola, vila morena, uma homenage

o cante alentejano, um canto em coro e
sem recursos de instrumentos, José Mário
queria os quatro músicos de braços dados
andando em círculos e arrastando os pés
no chão. “O chão do estúdio era muito
liso, por mais que nós arrastássemos os
pés, não fazia barulho algum”, lembra
Fanhais, o único dos quatro ainda vivo.
“O Zé Mário decidiu que só havia um lu-
gar possível: a parte de fora do estúdio em
que o chão era de brita, mas uma estrada
passava ao lado.” A solução foi gravar de
madrugada. Às três da manhã, os microfo-
nes foram colocados no chão, em roda, e
os quatro ficaram arrastando os pés, juntos,
caminhando em círculos, de braços da-
dos, reproduzindo a cadência dos passos
numa alusão aos cantores alentejanos que
caminham pelas ruas das vilas da região.
No dia seguinte, já no estúdio, colocaram
os fones, ouviram o barulho dos próprios
pés e começaram a cantar. Dois anos e
meio depois, Grândola, vila morena seria
a senha final para a derrubada do regime.
Grândola nasce nos anos 1960 quan-
do Zeca Afonso é convidado para cantar
pela Sociedade Musical Fraternidade
Operária Grandolense, no Alentejo”, diz
o jornalista Nuno Pacheco, crítico de
música do jornal português Público.

 
“Ele gostou tanto de como foi recebido
na vila que resolveu escrever um poema
de agradecimento e depois o musicou.
Na gravação em Paris, aquele arrastar de
pés confunde-se um pouco com uma
marcha marcial, de tropa. A canção é
isso, o arrastar dos pés, sem instrumen-
tos, só vozes. Parecia algo de mobiliza-
ção, mas era uma declaração de amor à
Grândola. Ela é de fato mobilizadora,
um bocadinho como Pra não dizer que
não falei das flores, do Geraldo Vandré.
Quem ouve pensa: é para ir em frente.”
“O Zeca Afonso não era muito tocado
na rádio. Estava na lista negra da Pide”,
continua Pacheco. Mas o disco saiu e a
canção não foi proibida. Grândola então
passou a ser cantada em meios estudan-
tis, em associações. Teve o seu ápice num
evento organizado pela Casa da Impren-
sa, em um espetáculo no Coliseu, o pal-
co mais simbólico de Lisboa, apresentado
em 29 de março de 1974, menos de um
mês antes do início da Revolução dos
Cravos. Junto com Zeca Afonso, a multi-
dão que lotava o teatro cantou em peso
Grândola, vila morena. “Eu estava lá, no
Coliseu abarrotado, as pessoas cantavam
a plenos pulmões, mesmo com a Pide lá
dentro ̧ cantavam e gritavam ‘Morte à
Pide!’”, lembra o jornalista.

 
José Jorge Letria foi um dos organiza-
dores dos prêmios da Casa da Imprensa
no Coliseu. Estava no palco junto com
Zeca Afonso, Carlos Paredes, Adriano
Correia de Oliveira e os principais músi-
cos que viviam em Portugal e lutavam
contra o regime. “Até as dez e pouco da
noite, nós estávamos discutindo com o di-
retor-geral de espetáculos que dizia que era
melhor para nós e para o Estado que não
fizéssemos o concerto porque ia colocar
muita gente contra o regime”, recorda
Letria. “Nós decidimos nos bast

que íamos cantar.” Os músicos respeita-
ram os censores que já haviam proibido
que Zeca Afonso cantasse A morte saiu à
rua e Venham mais cinco, que diz:
Não me obriguem a vir para a rua
Gritar
Que já é tempo de embalar a trouxa
E zarpar.
Apesar dos pedidos que vinham da
plateia, os músicos também não desa-
fiaram os censores interpretando Os vam-
piros, cujos versos dizem:
No chão do medo tombam os vencidos
Ouvem-se os gritos na noite abafada
Jazem nos fossos vítimas dum credo
E não se esgota o sangue da manada
[...]
Eles comem tudo, eles comem tudo
Eles comem tudo e não deixam nada.

 
Mas Grândola, liberada pela censura,
estava no roteiro. Sete mil espectadores
cantaram a música em uníssono. “Era
comum”, conta Nuno Pacheco, “a Pide
liberar uma música para depois perceber
que ela tinha o poder de mobilização,
voltar atrás e proibi-la. Mas isso não acon-
teceu com Grândola.” Paulo de Carva-
lho, o intérprete de E depois do adeus, a
primeira senha da revolução na rádio,
diverte-se. “Às vezes a censura é estúpi-
da”, diz ele, rindo. “Se eu fiquei para a
história, foi por acaso, porque o João Pau-
lo Diniz achou que era complicado colo-
car uma música do Zeca Afonso.”
Ele então comenta sobre E depois do
adeus. “Foi escrita pelo José Niza. A can-
ção é inspirada nas cartas que o próprio
Niza escrevia para sua mulher durante
a Guerra Colonial. As primeiras estro-
fes são pequenos trechos dessas cartas”,
diz Carvalho e, em seguida, cantarola
baixinho: Quis saber quem sou,/o que
faço aqui,/quem me abandonou,/de quem
me esqueci... “Tenho orgulho e fiquei
marcado para sempre, mas não fiz nada
para que isso acontecesse. Tenho uma
enorme admiração pelo Zeca Afonso,
não só pela obra, que é muito importan-
te na renovação da música portuguesa,
mas pela pessoa. Ele era muito coerente
e Grândola é a música da revolução. En-
quanto eu estive por acaso, ele esteve
onde merecia estar.”
“O Zeca abriu janelas onde nem pa-
redes havia”, resume Sérgio Godinho,
ele próprio, um dos maiores nomes da
música portuguesa. Godinho é autor de
canções que são, há mais de cinquenta
anos, a trilha sonora de gerações de por-
tugueses, como Liberdade:
A paz, o pão
Habitação
Saúde, educação
Só há liberdade a sério quando houver
Liberdade de mudar e decidir
Quando pertencer ao povo o que o
povo produzir.

 
A canção, com seus versos impregna-
dos do espírito daquele tempo, foi lança-
da seis meses depois da Revolução dos
Cravos, quando Godinho voltou definiti-
vamente do exílio. Apesar de sua própria
importância musical, ele comenta sobre
a influência de Zeca Afonso: “Sempre foi

uma figura tutelar, um inventor, um des-
bravador. Na música brasileira, eu sinto
que houve uma continuidade. O Chico
[Buarque] bebeu do Noel Rosa, os mú-
sicos brasileiros são herdeiros de Ary
Barroso, de Dorival Caymmi. Nós aqui,
não... Então o Zeca, neste contexto, é um
inovador, rompeu com o fado de Coim-
bra, teve influência africana, do tempo
que fugiu da ditadura e foi trabalhar em
Moçambique. O Zeca era muito estimu-
lante, vivíssimo, um espírito muito inde-
pendente. Ele me fez acreditar que eu
podia escrever canções em português.”

 
O crítico Nuno Pacheco discorre so-
bre o contexto histórico. “A música em
Portugal começa a ser de contestação aí
por volta dos anos 1960, um bocadinho
na sequência de uma alteração que foi
feita de gênero e abordagem do fado de
Coimbra, e passaram por lá o Zeca Afon-
so, o Adriano Correia de Oliveira e o José
Niza, junto com tantos músicos que se
opunham ao regime. Eles se libertaram
daquela malha tradicional do fado de
Coimbra que falava de amores, desgra-
ças... e começou a nascer uma canção
mais limpa, menos ligada àquele modo
de cantar operístico de Coimbra. Essa
nova canção deu origem à chamada nova
música popular portuguesa, como foi no
Brasil a mpb. Aqui foi a mpp. Na verdade,
não era uma música ligeira que passava
na rádio nem nos festivais. Era uma mú-
sica mais balada, no princípio só com
violão, mas enriquecida com vários ou-
tros instrumentos. O Zeca Afonso e o
Adriano Correia de Oliveira foram dos
primeiros a cantar a pobreza, a imigra-
ção, o que agitava as pessoas naquela al-
tura. E o que agitava as pessoas naquela
altura era a Guerra Colonial. Eles canta-
vam de uma forma dissimulada porque a
guerra não se podia abordar diretamente,
se não os discos eram proibidos. A Pide ia
buscar os discos e não os deixava sair ou
proibia que tocassem na rádio: não era
proibido ser vendido, mas era proibido de
ser difundido, e se não tocava na rádio,
era como se não existisse. Isso foi andan-
do aos poucos da década de 1960 até
1974, quando eclode o 25 de Abril. Estes
discos, estas canções foram alicerces para
a luta clandestina contra o Estado Novo.”

 
Na véspera de completar 14 anos, o
hoje pianista e compositor de jazz
Mário Laginha estava ansioso
pelo dia 25 de abril. Como era tradição
na família, a avó chegava a Lisboa no
dia 24 para cozinhar para o aniversário
do neto no dia seguinte. O prato mais
esperado era a sobremesa de arroz-doce.
Com canela, ela decorava cada pote
de arroz com diferentes desenhos, se-
guindo a tradição em Salvaterra de Ma-
gos, no Ribatejo. Mas aquele 25 de abril
seria diferente. O pai, que saíra cedo
para o trabalho, voltou uma hora depois.
O adolescente entreouviu a conversa:
– Acho que houve uma revolução –
disse seu pai.
– Isso é bom demais para ser verdade
– respondeu a mãe

Eu primeiro pensei que algo mau es-
tava acontecendo. Minha mãe era profes-
sora de matemática, meu pai, funcionário
público. Não era uma família que falasse
de política. Eu não tinha cultura política
nenhuma. E, de repente, nada aconteceu
no meu pequeno mundo, ninguém veio
comemorar, ninguém me deu parabéns,
não houve festa, comecei a ficar irritado.
Ninguém estava a lembrar dos meus anos
até que comecei a perceber que meus pais
estavam a ficar muito contentes com algu-
ma coisa que estava a acontecer.”

 
No dia seguinte, o pai o levou para
passear de carro, de janela aberta fazen-
do o V de vitória. Mário cantava: vitória,
vitória, vitória. Os pais finalmente expli-
caram que viviam em um regime políti-
co ditatorial, em que as pessoas não
podiam dar a sua opinião, não havia li-
berdade de expressão. “Isso nunca era
assunto lá em casa. Começaram a ser
abordados temas que não eram falados.
Eu costumo dizer que tive um curso
básico de política em algumas horas.”
Zeca Afonso, José Mário Branco, Sér-
gio Godinho e Fausto são os quatro nomes
incontornáveis da geração de músicos
daquele período. “É claro que havia ou-
tros muito bons como o Adriano Correia
de Oliveira e o Luís Cília, para citar dois
deles, mas estes quatro deixaram um le-
gado extraordinário, imenso”, diz Mário
Laginha. “Eles todos tinham a consciên-
cia do obscurantismo em que se vivia.
Nós não tínhamos acesso a nada. Como
alguém pode dizer que no tempo do Sa-
lazar é que era bom? Isso era uma aldeia
sem informação alguma, não havia cul-
tura, não chegava nada de fora, pratica-
mente não se ouvia jazz... Eles eram
todos diferentes, mas tinham em comum
o fato de fazerem música boa e rica. Não
tinha nada a ver com a música ligeira
portuguesa. Os textos eram engaja

nterventivos. Romperam completamen-
te com uma tradição”, afirma.

 
Laginha interpretou ao piano Tanto
mar, de Chico Buarque, quando o can-
tor e escritor brasileiro recebeu o Prêmio
Camões em Lisboa, no ano passado, na
véspera dos 49 anos da revolução. No
discurso da premiação, Chico disse: “Por
mais que eu leia e fale de literatura,
por mais que eu publique romances e
contos, por mais que eu receba prêmios
literários, faço gosto de ser reconhecido
[...] em Portugal como o gajo que um dia
pediu que lhe mandassem um cravo e
um cheirinho de alecrim. Valeu a pena
esperar por esta cerimônia marcada, não
por acaso, para a véspera do dia em que
os portugueses descem a Avenida Liber-
dade a festejar a Revolução dos Cravos.”
Luís Cília chegou a Paris no dia 1º de
abril de 1964. Cruzou a fronteira clandes-
tinamente, a bordo de um Fiat, na com-
panhia de um casal: um tenente que ia
desertar com a mulher grávida. Cília já
havia sido chamado para a “tropa”. “Esta-
va fora de questão ir para a Guerra Colo-
nial”, relembra ele hoje, aos 81 anos,
rodeado, em casa, por um arsenal de me-
mórias: livros, discos, fotos, panfletos, có-
pias de cartazes de concertos da época e
de relatórios da Pide que tratam dele mes-
mo. Na época que se exilou na capital
francesa, tinha 21 anos, um violão na ba-
gagem e uma enorme vontade de cantar
contra a guerra nas colônias e contra a
ditadura. O cantor português, nascido em
Angola, foi quem mais gravou e lançou
discos no exílio. No mesmo ano em que
chegou a Paris, lançou seu primeiro lp,
Portugal-Angola: chants de lutte, pela Le
Chant du Monde, a gravadora ligada ao
Partido Comunista Francês. Cantava o
que ninguém podia cantar em Portugal.
Não tinha de enfrentar o “lápis azul”, sím-
bolo da censura da Pide, batizado

 porque os censores usavam um lápis de cor
azul para cortar os textos das músicas ou
de qualquer manifestação artística ou ar-
tigo antes de ser publicado pela imprensa.
Cília era tímido, mas frequentava o
Select Latin, um café em que “ia todo
português que chegava clandestino a Pa-
ris, toda a gente se encontrava, todo mun-
do passava pela cidade”. Os dez anos na
capital francesa e uma viagem de um mês
a Cuba o fizeram conhecer e ficar amigo
de músicos como Georges Brassens, Léo
Ferré, Paco Ibáñez, Pablo Milanés, Silvio
Rodríguez. Lembra com carinho o en-
contro com a cantora argentina Mercedes
Sosa: “Ela me perguntou: ‘Você conhece
um poema que diz Resiste meu amor, re-
siste?’ Eu respondi que sim. Era meu.”
“Havia um ambiente político incrível na
França. Conheci outros músicos exilados
portugueses como o José Mário Branco,
o Sérgio Godinho e aí veio Maio de 68.
‘É proibido proibir’ é um slogan maravi-
lhoso; onde houvesse portugueses ou
uma ocupação em fábricas, lá íamos nós
cantar. Era um clima de liberdade total”,
lembra Cília.

 
Godinho também relembra a vida
que tinha em Paris daquela época. “Vivi
Maio de 68 intensamente. Ia para a rua
todos os dias, dormia na Sorbonne, apa-
nhava com gás lacrimogêneo, fiz parte
da ocupação da casa dos estudantes por-
tugueses em Paris”, diz ele, que, antes de
morar na capital francesa, tinha estuda-
do psicologia com Jean Piaget, em Ge-
nebra, e atravessado o Oceano Atlântico
trabalhando na cozinha de um navio
holandês. Fez trabalhos de conveniência
até que acabou atuando no musical Hair
em Paris. “Não fui um desertor porque
não era ainda do Exército, fui o que cha-
mam de refratário: não respondi ao ‘ape-
lo da pátria’.” Godinho se mudou depois
para o Canadá e estava em Vancouver
no dia da Revolução dos Cr

Na madrugada de 25 de abril de 1974,
o jovem Francisco Ribeiro Telles foi
acordado por volta das duas da ma-
nhã junto com os outros recrutas da Es-
cola Prática de Cavalaria, em Santarém,
a 80 km de Lisboa. Não se surpreendeu.
Passara o dia vendo um movimento anor-
mal de carros de combate e jipes sendo
abastecidos. Já estava desconfiado de que
haveria exercícios noturnos. Ignorava
que, naquela hora, os seus superiores já
tinham ouvido no rádio E depois do adeus
e Grândola, vila morena.

 
“Meus senhores, como todos sabem,
há diversas modalidades de Estado. Os
Estados socialistas, os Estados capitalistas
e o Estado a que chegamos”, começou o
capitão Fernando Salgueiro Maia, ao ler
o comunicado do Movimento das Forças
Armadas, avisando que iria marchar so-
bre Lisboa e precisava de voluntários.
“Ora, nesta noite solene, vamos acabar
com o Estado a que chegamos!” O jovem
Ribeiro Telles deu um passo à frente.
“Eu mal sabia disparar, tinha apenas
três meses de tropa, deram-nos uma es-
pingarda, uns cartuchos com balas,
umas granadas e lá fomos todos a mar-
char para Lisboa numa coluna blinda-
da”, conta o hoje embaixador Ribeiro
Telles, secretário-geral do Ministério dos
Negócios Estrangeiros. “Lembrei-me do
meu pai que sempre foi uma pessoa que
lutou contra o regime. Pensei que ia par-
ticipar de um momento histórico, muito
importante para o país, sem ter muita
noção do que eu iria fazer.”

 
A Escola Prática de Cavalaria que
partiu de Santarém teria a missão mais
importante da operação: ocupar o Ter-
reiro do Paço, onde ficavam os ministé-
rios, e destituir o regime com a rendição
do presidente do Conselho de Minis-
tros, Marcello Caetano, que se refugiou
a 750 metros de distância dali, no quar-
tel da Guarda Nacional Republica

o Largo do Carmo. Caetano acabaria
por se exilar no Rio de Janeiro.

 
O capitão Salgueiro Maia explicou
aos recrutas que todos os revoltosos se-
riam identificados nos uniformes, nos
carros de combates e nos jipes com um
quadrado vermelho. “Havia a preocupa-
ção de que, quando passássemos no pe-
dágio próximo a Lisboa, poderia haver
algum problema”, relembra Ribeiro Tel-
les. Tinha sido ali que uma tentativa de
golpe, um mês antes, havia fracassado.
“Foi muito impressionante. Entramos
pelo Marquês de Pombal, pela Avenida
da Liberdade e chegamos ao Terreiro do
Paço às cinco da manhã. Imagine o ba-
rulho de uma coluna de blindados em
plena Avenida da Liberdade. Não houve
reação, nenhuma movimentação, zero,
nada. Depois percebi que a sensação era
de que o regime estava a cair de podre.”
Mesmo passados cinquenta anos, Ri-
beiro Telles reteve na memória detalhes
do que se passou no Terreiro do Paço
naquele dia. “Maia se reuniu conosco e
disse que tudo estava a correr bem, que
havia notícias de mais adesão de compa-
nhias militares importantes à revolução.
O único problema era a Cavalaria 7, uma
unidade que estava próxima na Ajuda
[a 6 km de distância] e tinha um poder de
fogo superior ao nosso.”
Havia também no Rio Tejo uma fra-
gata da Marinha bem em frente ao Ter-
reiro do Paço que não se juntara aos
revoltosos e recebera instruções para dis-
parar. Ribeiro Telles cai na gargalhada ao
lembrar que, cada vez que a fragata se
aproximava e baixava os canhões, “nós
nos metíamos todos atrás de caminhone-
tes”. A fragata acabaria por se render. Mas
a questão crucial foi quando dois carros
de combate M-47 saíram da Cavalaria 7
e chegaram ao Terreiro do Paço.
“Há um brigadeiro que dá várias ve-
zes ordem de fogo sobre nós. E os solda-
dos que estão lá dentro não disparam.
O Maia pede a rendição do comandan-
te. A nossa subida para o Quartel do
Carmo, no Largo do Carmo, onde Mar-
cello Caetano e outros membros do go-
verno estavam foi apoteótica. Centenas
de pessoas, que chegavam cedo para tra-
balhar, ficaram paradas olhando para
nós. Nós tentávamos fazer um cordão de
isolamento, mas era uma multidão.”
Salgueiro Maia tornou-se o rosto mais
visível e o símbolo da vitória militar do
25 de Abril. Em vez dos tradicionais ade-
reços de oficial de cavalaria – botas de
cano alto e boina preta –, ele vestia a mes-
ma farda que seus soldados, todos iguais
na missão de derrubar a ditadura. “A preo-
cupação dele desde o início era evitar
o confronto”, conta Ribeiro Telles. “Ele
próprio estava convencido na saída de que
o regime iria cair e que, portanto, a reação
à nossa coluna, os obstáculos que a coluna
iria ter não seriam significativos. Porque
no fim das contas ele pega duzentos e tal
recrutas que não tinham experiência para
fazer uma revolução. O Otelo Saraiva de
Carvalho confiava muito nele e o Movi-
mento das Forças Armadas tinham a

ido as lições do golpe frustrado nas
Caldas da Rainha, um mês e meio antes,
e se preparou para o dia 25 de abril de
forma diferente. Nós respeitávamos muito
o Maia, a sua integridade, a sua liderança.
Não sei se outro capitão no comando teria
tido tantos voluntários”, diz Ribeiro Telles.
Ojornalista Adelino Gomes nem pa-
rece ouvir os músicos brasileiros
que improvisam um forró para os
turistas que passam pelo Largo do Car-
mo. Aos 79 anos, percorre a praça e ges-
ticula como um jovem ao relembrar os
acontecimentos de cinquenta anos atrás.
Gomes também era um dos poucos civis
que sabiam que haveria um golpe. Na
época, estava proibido de exercer a pro-
fissão de jornalista, mas lembra que, ao
chegar ao Terreiro do Paço, teve a mesma
dúvida de milhares de portugueses: será
este um golpe da direita ou da esquerda?
Quando lhe disseram o nome do coman-
dante da operação, teve uma surpresa:
Salgueiro Maia tinha sido seu colega de
escola. Não se viam há mais de dez anos.
Gomes dirigiu-se diretamente a Maia:
– De que lado estás?
– Tu não tiveste um problema qual-
quer, que tiveste de ir para o estrangeiro
por causa do que dissestes na rádio? –
retrucou Maia, explicando em seguida:
– Estamos a fazer isso para que nin-
guém mais tenha de sair do país por
causa daquilo que diz ou faz.

 
Gomes tascou um abraço em Sal-
gueiro Maia em pleno Terreiro do Paço.
Assim como Salgueiro Maia foi o rosto
do que se passou no Terreiro do Paço e no
Largo do Carmo – o epicentro da Opera-
ção Fim-Regime –, Gomes foi a voz do
25 de Abril na rádio, o jornalista que co-
briu todos os detalhes da queda do regi-
me. “Foi o dia mais feliz da minha vida.
As pessoas olham para mim e pensam:
‘Este gajo não gosta da mulher, não gosta
dos filhos.’ Mas é que 25 de abril de 1974
foi o dia mais feliz da minha vida. Passa-
ram cinquenta anos e continuo a sentir o
mesmo. Há qualquer coisa que se passou
aqui, com uns gajos com umas armas,
vivências, vontades, aspirações. O 25 de
Abril não é só o Maia. O Salazar havia
morrido, o Marcello Caetano, que tinha
prometido mudanças, a chamada Pri-
mavera Marcelista, não avançou com as
promessas, eram treze anos de Guerra
Colonial em que jovens como o Salguei-
ro Maia perceberam que eram carne para
canhão. O que chocou o Maia tanto em
Moçambique como na Guiné foi sentir o
desdém com que os portugueses brancos
tratavam os militares [negros, mobilizados
nas próprias colônias]. Ele deixou de acre-
ditar naquela ideia do Portugal indivisível.”
Gomes continua: “Havia ainda essa
política de prender estudantes opositores
do regime e os enviar para servir na Áfri-
ca, eles doutrinaram os jovens militares.
O regime degenerou, estava fraturado
entre os ultradireitas e os que queriam
mudanças. Nesse quadro, surgem os mi-
litares jovens, que ouviam as fitas casse-
tes das canções dos músicos proibidos

em Portugal antes de irem para a batalha
matar. Foi um conjunto de fatores que se
encontrou no inconformismo dos milita-
res que sabiam que não podiam ganhar
a guerra, queriam uma saída, queriam o
fim do regime, mas não queriam ficar
no poder. E esta é a diferença em com-
paração a tantos outros golpes. O 25 de
Abril é este mar, esta torrente que se for-
ma e vai desaguar no Terreiro do Paço e
termina aqui.” Agora, Gomes está com
um olhar que parece fotografar cada mi-
límetro do Largo do Carmo e reviver
cada segundo daquele dia.

 
Há dez anos, nas comemorações dos
40 anos da Revolução dos Cravos, Gomes
e o fotógrafo Alfredo Cunha lançaram o
livro Os rapazes dos tanques. Os dois des-
cobriram o nome do cabo que estava no
tanque e se recusou a atirar em Salgueiro
Maia. “Reunimos dez soldados que esta-
vam dentro dos carros de combate M-47.
Cada um tinha uma memória diferente
até que perguntamos quem era o cabo e
todos apontaram para o José Alves Costa,
que, ao longo de décadas, nunca tinha
falado sobre o 25 de Abril.” Ao fechar a
tampa do M-47, o cabo Costa fez com
que o seu comandante desobedecesse às
ordens do brigadeiro para disparar. Para
Salgueiro Maia, que morreu aos 47 anos
em 1992, o cabo era o verdadeiro herói do
25 de Abril, a revolução que começou
com música e terminou sem sangue.
Para o jornalista que acompanhou
cada passo do comandante naquel

momento-chave aconteceu por volta
de meio-dia e meia, quando Salgueiro
Maia se dirigiu ao repórter:
– Temos todas as Forças Armadas do
Exército conosco – exagerou.
– Temos o povo – disse um alferes.
– Além do povo, de cujo apoio nun-
ca duvidamos, temos todas as viaturas
blindadas do Exército português nas
nossas mãos.

 
Naquela altura, Marcello Caetano
ainda não se rendera, mas milhares de
pessoas reunidas no Largo do Carmo já
gritavam “Viva a liberdade”, “Abaixo os
fascistas”, “Vitória, vitória”. Para Go-
mes, é nesse instante que Salgueiro
Maia entende que já não se trata mais
de um golpe militar, mas de uma revo-
lução. “Já não são mais só os militares de
um lado e o regime do outro, é o povo.
O golpe transforma-se em revolução.”
Nem Adelino Gomes nem Francis-
co Ribeiro Telles se lembram de
ter cruzado com Celeste Caeiro.
Mas um dos soldados, que viera com Ri-
beiro Telles de Santarém, pediu um ci-
garro à mulher que passava pela rua. Ela
só tinha flores. Deu um cravo ao rapaz,
que o colocou na ponta da espingarda.
E começou a distribuir cravos vermelhos
e brancos aos recrutas que ia encontran-
do pelo caminho. Eles repetiam o gesto do
primeiro soldado, colocando as flores
nas espingardas. As floristas do bairro
seguiram o exemplo da mulher e pas

a Revolução dos Cravos. Ribeiro Telles
só ouviria Grândola, vila morena, pela
primeira vez, no dia 25 de Abril.
Em Paris, o ex-padre Francisco Fa-
nhais soube do golpe pelo rádio. Assim
que ouviu que as fronteiras tinham sido
abertas, partiu de trem a caminho de Por-
tugal. Quando pararam em Vilar Formo-
so, a primeira vila em território português,
Fanhais abriu a janela para “respirar o ar
puro do país”. Um cabo marchava sozinho
na estação. “Um amigo dentro do vagão
perguntou ao cabo: ‘Cadê os Pides?’ O mi-
litar levantou a espingarda e disse: ‘Fala
alto porque isso agora é um país livre.’
Toda vez que conto essa história, eu cho-
ro”, diz Fanhais, enxugando as lágrimas.
“Todo o movimento anterior a 25 de
abril eu chamo canto da resistência”, diz
Nuno Pacheco, o crítico de música. “De-
pois do 25 de Abril, muitos dos músicos
no exílio voltam ao país, começam a tra-
balhar aqui, e aí é que começa aquilo que
eu chamo de canção de intervenção.” Ele
explica a que se refere: “Os músicos que
antigamente iam cantar num recanto, em
uma associação para estudantes, nas fa-
culdades, passam a cantar em fábricas
ocupadas, nos campos durante a reforma
agrária, para os camponeses que ocupa-
vam uma herdade ou campo abandona-
do, ou nos ‘saneamentos’ quando uma
comissão de trabalhadores tomava conta
da administração expulsando o proprietá-
rio que os maltratava ou que era ligad

go regime, ou à Pide.” Os músicos
não ganhavam nada, às vezes um prato
de comida ou alguma bebida. “Todos se
colocaram a serviço do que estava acon-
tecendo. Havia uma ocupação de um pré-
dio, lá iam eles cantar. Andaram nessa
loucura nos anos de 1974 e 1975 até que
há o 25 de novembro de 1975.”
“O Zeca e eu fomos para Bragança
numa campanha de dinamização do Mo-
vimento das Forças Armadas”, lembra
Fanhais. Passaram quinze dias conversan-
do e cantando em pequenas vilas. Em
uma delas, as habitantes contaram o caso
de um rapaz que fora preso pela Pide, de-
pois de ser denunciado pelo patrão. Zeca
Afonso ouviu todos os detalhes e começou
a escrever e fazer a música. “Dois ou três
dias depois, voltamos à vila para o Zeca
tocar e cantar. As pessoas ficaram radian-
tes ao ouvir a história que haviam conta-
do, que havia acontecido com eles. Era
um tempo de doação completa. A entrega
à revolução era sem reservas, onde nos
chamávamos nós íamos e cantávamos em
condições completamente anormais, às
vezes nem microfone havia”, diz Fanhais.
José Jorge Letria, que controlava a
“célula dos cantores” do Partido Comu-
nista, recorda: “Fiz muitas canções à tar-
de para cantar à noite. E fazia muito à
noite para cantar na hora do almoço.”
Viajavam por todo o país se apresentando
em sindicatos, escolas, associações de mora-
dores, fábricas. “Nós vivíamos em estado
de graça. Quem chegava com uma viola

na mão para cantar e compartilhar com
as pessoas os momentos de emoção e de
grande entusiasmo revolucionário deixa-
va de ser um cantor da revolução e passava
a ser um irmão deles, um filho, éramos
tratados como familiares, acarinhados
com emoção. Claro que isso era muito
mais forte no Alentejo por causa da refor-
ma agrária. Havia poucos microfones,
cantávamos em condições muito precá-
rias, mas eu aguentava tudo.”
Margarida Antunes da Silva tinha
23 anos em 25 de abril. Viveu a
euforia, essa vontade de mudar e
pensar que tudo era mesmo possível.
“Nunca houve um Primeiro de Maio
como aquele, milhares de pessoas sor-
rindo de orelha a orelha, a felicidade
estampada no rosto daquela gente toda,
crianças, novos, velhos. Fico arrepiada
quando me lembro. É algo irrepetível.
Nunca vivi algo semelhante.”
Margarida Antunes da Silva conheceu
José Mário Branco, que voltara de Paris, e
Fausto, dois dos grandes músicos que for-
mavam o Grupo de Acção Cultural (gac),
de orientação maoista. Onde quer que
fossem, cantavam-se os versos de A canti-
ga é uma arma, de José Mário Branco:
A cantiga é uma arma
E eu não sabia
Tudo depende da bala
E da pontaria.

 
A jovem Margarida Antunes, como é
conhecida, largou a faculdade e começou
a vender os discos do gac por onde iam.
Depois, ela própria começaria a cantar.
“Conviver com pessoas daquele calibre,
naquela idade. Eles nos tratavam como
iguais. A música entra na minha vida por
causa do 25 de Abril e nunca mais sai.
Viajávamos de Norte a Sul do país, canta-
mos em todos os quartéis do país, todos.
Descobri um país que não conhecia.”

mbra ainda hoje quando ouviu 2 mil
soldados perfilados cantando o hino da
Internacional Comunista com punho
erguido. “Imagina, nós sabíamos que o
Brasil estava em plena ditadura e solda-
dos eram sinônimo de fascismo e re-
pressão. E de repente eles estavam ali
lutando pelos mesmos ideais que nós.
Tive a noção de que era possível mudar
o mundo, o sonho de qualquer jovem.”
“Caí no meio do furacão”, admite
Sérgio Godinho, que veio de Vancouver,
no Canadá, e chegou nos primeiros dias
de maio. “Pela primeira vez, as pessoas
estavam cantando comigo as minhas
canções. Eu não tive o percurso normal
de um músico que lança um disco e vai
fazendo sucesso aos bocadinhos. Eu ti-
nha dois discos lançados aqui e todo
mundo cantava as minhas músicas. Du-
rante dias tive aquela sensação de que é
isso o que faz sentido. Este é o meu pú-
blico, e eu nunca estive com ele.” Godi-
nho ainda se lembra de ouvir as massas
cantando sua composição Maré alta:
Aprende a nadar, companheiro
Aprende a nadar, companheiro
Que a maré se vai levantar
Que a maré se vai levantar
Que a liberdade está a passar por aqui
Que a liberdade está a passar por aqui.

 
“Foi muito emocionante”, Godinho
recorda especialmente de um concerto
em que estavam vários músicos, e o mestre
da guitarra portuguesa, Carlos Paredes,
tocou Verdes anos. “Eu pensei: ‘Estamos
todos juntos nos meus verdes anos, num
Portugal que mudou.’ Eu rompi a chorar,
caíram-me as lágrimas, eu compreendi,
caiu-me a ficha, como vocês dizem no
Brasil. Foi um momento mágico; foi so-
bretudo voltar ao meu país, um país que
estava a mexer, a querer ser diferente.”
Mas nem tudo eram cravos. Luís Cília
chegou do exílio junto com José Má

ranco, um dos fundadores do gac, no
dia 30 de abril. Estavam a bordo do mes-
mo avião que trouxe Álvaro Cunhal, o
líder histórico do Partido Comunista Por-
tuguês (pcp). “O meu verdadeiro exílio
foram aqueles primeiros anos aqui. Em
Paris, ninguém me perguntava de que
partido eu era, íamos cantar e pronto.
Aqui, não, havia o clima do chega para
lá. Na minha primeira reunião com os
cantores do pcp fui logo posto de lado
quando disse que não era cantor do pcp,
mas sim militante e músico profissional.
O que ouvi foi: ‘Você veio aqui sacar
dinheiro da classe operária?’ Era um
ambiente e um clima de intolerância
horrível e tentaram encobrir meu nome.”
Cília, nos anos 1960, compusera Avan-
te camarada, que acabou se tornando o
hino do pcp. “Revolucionário não é
quem rima patrão com pão. Tudo aqui-
lo que nos transforma e nos melhora é
revolucionário. Eu sempre tentei lutar
contra este sectarismo. A maioria das
prefeituras era do pcp e nunca me con-
vidavam para cantar. Levou muito tem-
po para isso mudar. Nos primeiros dois
anos, eu não tinha trabalho, tinha de ir
à França trabalhar para sobreviver.”
As divisões entre os músicos era um
reflexo das divisões do Prec (Processo
Revolucionário em Curso). Os excessos
revolucionários levariam ao chamado
Verão Quente de 1975, um dos momen-
tos mais críticos do pós-25 de Abril,
quando Portugal estava dividido entre as
forças políticas que defendiam uma via
eleitoral e outra, o caminho revolucioná-
rio. Portugal esteve à beira de uma guer-
ra civil. Houve ataques às sedes do pcp e
de outros partidos de extrema esquerda.
“As coisas não podiam ser feitas à força.
Havia essa luta entre o Partido Comunis-
ta e o Partido Socialista, estávamos cami-
nhando para uma ditadura comunista.
O socialista Mário Soares foi mesmo um
líder e impediu que fôssemos por aí”, ex-
plica Sérgio Godinho. A tensão culmina-
ria em 25 de novembro de 1975, com
uma tentativa de golpe da esquerda mais
radical travada pelo general Ramalho
Eanes. É o fim do processo revolucioná-
rio. No ano seguinte, nas eleições parla-
mentares de abril, os socialistas ganham
a maioria e o líder do Partido Socialista,
Mário Soares, é eleito primeiro-ministro.
Em junho o general Ramalho Eanes é
eleito presidente da República.
“Há músicos que ficaram sempre taxa-
dos como cantores de intervenção quan-
do na prática eles eram cantores contra a
ditadura e viram-se envolvidos naquela
guerra que foi a revolução de 1974, 1975”,
diz o crítico Nuno Pacheco. “Depois do
25 de novembro, há uma pacificação da
sociedade, há uma normalização do dia a
dia, da vida democrática, já não há ocu-
pações, saneamentos. Os cantores vão
para o estúdio, e aí há uma série de discos
que vem nessa sequência do 25 de no-
vembro que são reflexo e crônica de 1974
e 1975. A música toma seu curso normal, é
gravada, vendida nas lojas, sem censura
e com a melhor qualidade poss

Assim como Zeca Afonso, Godinho
nunca se associou a qualquer partido.
Nem gosta de ser chamado de cantor de
intervenção. “Nunca nos vi como heróis.
Revoluções são impuras por essência, por
isso não me desiludo, é um momento.
Uma revolução é uma revolução, uma
mudança de vida, de regime, de tudo, de
estruturas. Houve aquele grande entusias-
mo e depois as coisas se extremaram, no
Verão Quente de 1975. Lembrei do Maio
de 68 quando um dia eu estava subindo a
Champs Élysées e, na direção contrária,
vinha a primeira manifestação da ‘maio-
ria silenciosa’, gaullista. Eu, num sentido
da história, eles, em outro. Nesse dia,
compreendi que a história se faz com pas-
sos para a frente e para trás. Cheguei em
casa e pensei: Isso não é assim tão fácil
nem como nós idealizamos. Então quan-
do comecei a ouvir falar de conquistas
irreversíveis do 25 de Abril, quando se
começou a nacionalizar tudo, eu olhei
sempre com um pé um bocadinho atrás,
do gênero ‘eu já vi isso’, percebe?”
G rândola, vila morena tem mais de
cem gravações em várias línguas,
entre elas uma da cantora brasileira
Nara Leão. Todos os anos, Francisco Fa-
nhais, hoje presidente da Associação José
Afonso, é chamado para cantar e contar o
25 de Abril para grupos de alemães que
visitam o Alentejo. Acabam todos cantando
“Grrandola, vila morrena”, conta Fanhais,
imitando o sotaque dos alemães.
“Antes dos carros de combate de Sal-
gueiro Maia, houve os carros de combate
da canção e a canção com os poemas das
baladas inconformadas”, conclui, emo-
cionado, o jornalista Adelino Gomes, ci-
tando as palavras do poeta Manuel
Alegre. “Os baladeiros foram os guardas
avançados do golpe que estava por vir, a
palavra precedeu o golpe, a palavra prece-
deu as armas, e as armas vieram de mãos
dadas com as palavras do Zeca Afonso.”
Mário Laginha reforça: “A influên-
cia deles na música portuguesa é imensa.
A música era muito boa, as letras também.
O Sérgio Godinho soube ver que as guer-
ras eram outras, são outras. Há certas coi-
sas que já estão conquistadas. Acho que o
Sérgio olha para a sociedade com uma
inteligência que é invulgar. O Zeca Afon-
so tem canções absolutamente magistrais.
Havia uma centelha. Os arranjos de José
Mário Branco são brilhantes, me influen-
ciaram muito. O Fausto tem álbuns icôni-
cos. Não é uma corrida porque todos eram
diferentes e tiveram, têm a sua importân-
cia. Ninguém escolhe o dia que nasceu.
Não escolhi nascer no dia 25 de abril, mas
se pudesse escolher era nesse dia que que-
ria mesmo ter nascido. Quem não gostaria
de nascer na data em que a liberdade foi
conquistada depois de uma ditadura, no
dia em que se fez a liberdade, em que a
liberdade voltou a ser possível?”*

 
* No dia 10 de março passado, pela primeira vez des-
de o fim da ditadura de Salazar e da Pide, e cinquenta
anos depois da Revolução dos Cravos, os eleitores
portugueses triplicaram os votos em favor do Chega,
o partido da extrema direita, que se tornou a terceira

PIAUI